Os doy a bienvenida a un nuevo BeatnikMag Radio. Este nuevo episodio del podcast se centra en el Shibuya kei, posiblemente el estilo musical japonés que más llamó la atención en occidente allá por los años noventa.
Como he tenido que acotar mucho, ya que tenía como unas ochenta canciones preseleccionadas que podrían haber estado perfectamente en el podcast, habrá una segunda parte que abarcará desde el año 2002 hasta este 2021.
Si queréis más información del tema, en Canino redacté un artículo que resumía su historia, cómo surgió, los temas más famosos y demás. Lo dejo por aquí.
Como siempre, el programa se aloja en Ivoox:
Y en Mixcloud:
La selección está compuesta por estos temas:
Pizzicato Five — Twiggy Twiggy
Flippers Guitar — Camera! Camera! Camera!
Original Love — Deep French Kiss
Havana Exotica — Chukyuu Hyakukei
Les 5–4–3–2–1 — Bus stop sur le trottoir (Single Version)
Kenji Ozawa — Konya wa Boogie Back (Nice Vocal)
Towa Tei — Technova (La em Copacabana)
Hi Posi — Taijuubun no Ai
Kahimi Karie — Dis-Moi Quelque Chose Avant de Dormir
“Este texto se publicó en Canino en junio del 2020, pero se retiró de la web en diciembre de ese mismo año debido a las quejas del autor de varias fotografías que se utilizaron en el artículo. Esta versión (actualizada, aumentada y dividida en dos partes -más un express de recomendaciones próximo-) utiliza imágenes libres de derechos de autor y/o están debidamente acreditadas.”
Mikado Game Center en la época del “Corona” (Foto: AFP-JIJI)
La situación actual: inquietud hasta en Japón
Hemos visto que parece que el sector nipón goza de una salud envidiable, pero no es del todo así. Hay una dicotomía bastante evidente en los estudios eminentemente arcade al intentar no perjudicar su gran activo, dejando de lado la vertiente doméstica. Por ejemplo, Yo Momotani, director de Border Break, menciona que a AM2 le cuesta hacer conversiones para las consolas porque no quieren perder cuota de mercado arcade, ya menguante. De hecho menciona que la versión de dicho juego (que salió en Playstation 4 en 2018) se ha hecho para que gente de provincias, allá donde han cerrado salones, puedan seguir jugando.
Siguiendo con este título, es un claro exponente de la errónea percepción de que los juegos arcade son cortos. En Border Break la duración media de la partida es de 60 minutos por 500 yenes (unos 4 euros), lo que se diferencia mucho de los pocos cabinets que nos siguen llegando. Por supuesto no es el único caso. De hecho, este tiempo de juego estimado y dichos precios no son descabellados en la actualidad ya que ahora mismo se paga por tiempo jugable. Por esa razón en la mayoría de cabinets se ofrecen partidas de prueba de manera gratis para así atraer a gente y darle a saber a qué va a invertir su valioso tiempo (y dinero).
He aquí uno de esos arcades “caros”.
Pero el jugador de partidas cortas siempre ha tenido a su disposición otras opciones, ya sean títulos de lucha, shooting games o de conducción, o también retro. De hecho hay una placa nueva, llamada exA-Arcadia, que ha sido creada con la intención de volver al pasado con un catálogo que incluiría títulos como una nueva versión de Super Hydora (2010), de Locomalito y Grizor87. Aparte, servicios como el mencionado NESICAXLive de Taito ponen disposición del jugador multitud de títulos descargables de ámbito retro, como los clásicos de Capcom o SNK. Y es que en Japón no se olvidan del pasado, pero lo que da más dinero son los juegos-servicio a largo plazo para competir con otros dispositivos de entretenimiento.
Aún así todavía queda espacio para nuevos títulos que nos recuerdan a los que veíamos en los salones importantes de nuestro país. De hecho, algunos llegan por aquí. Uno de ellos es The House of the Dead: Scarlet Dawn (2018), la nueva entrega de la mítica serie de shooters. Otro buen ejemplo del género es Luigi´s Mansion Arcade (2013), desarrollado por Capcom para la placa Nu de Sega.
The House of the Dead: Scarlet Dawn.
Los juegos de conducción son otro de los géneros más recordados del pasado, y en la actualidad cuentan con cierta representación. El más famoso de los últimos lustros posiblemente sea Out Run 2 (2003) y sus múltiples reediciones, pero no es el único. Hay coetáneos como Initial D Arcade Stage Ver. 3 (2004) o Wangan Midnight Maximun Tune (2004) que tiran más hacia la vertiente de duelos callejeros, mientras que el recientemente descontinuado Sega World Drivers Championship (2018) viraba más hacia campeonatos tradicionales de manera online. Por supuesto, como muchos habremos visto en algún arcade patrio, Bandai Namco cuenta con la licencia de Mario Kart Arcade desde el año 2004.
Como he mencionado, los juegos de lucha cuentan con decenas de grandes exponentes. De hecho en los últimos años hemos visto que Capcom ha lanzado con algo de retraso la versión arcade de Street Fighter V (2019). Pero hay más: Namco Bandai ha apostado por Tekken 7 (2015), Tecmo Koei ha hecho lo propio con Dead or Alive 6 (2019), SNK ha sacado Samurai Shodown (2019) o casi todo lo que desarrolla Arc System Works, como Blazblue Cross Tag Battle (2019). Y todo esto sin contar éxitos de los últimos años, como Virtua Fighter 5 (2006), Persona 4: Arena (2012) o King of Fighters XII (2010). Y en este 2021 parece que vamos a asistir a un nuevo revival del género…
Un par de chicas jugando a Taiko no Tatsujin.
Por supuesto, los títulos musicales nunca fallan. De hecho, Konami hace décadas que prácticamente solo saca arcades de este género, actualizándolos cada cierto periodo de tiempo. Algunos de ellos son: Pop´ n Music (1998-presente), el citado beatmania, GuitarFreaks (1999-presente) o DrumMania (1999-presente). Pero no es el único exponente del género. Namco Bandai tiene a los eternos Taiko no Tatsujin (2001-presente), Capcom a crossbeats REV. (2015) y Sega cuenta con la licencia de Hatsune Miku, aparte de Maimai (2012-presente), un título que es el mayor éxito actual del estudio AM1, en el que el cabinet tiene una curiosa forma que recuerda a una lavadora. Incluso empresas que no se suelen ver en los arcade, como Nintendo, metió la cabeza en el género gracias a Sega con la conversión a Naomi de Rhythm Tengoku (2007). Tampoco hay que olvidar los puzzles, como las diferentes entregas de Puyo Puyo, o los juegos de mesa, como los mahjong, que siguen teniendo adeptos.
Hasta aquí he hablado de juegos más o menos tradicionales, pero por supuesto, no esta de más mencionar esos juegos que seguramente nunca saldrán del archipiélago nipón. Uno de esos géneros es el RPG. Sí, este género es bastante común, al contrario de lo que pueda parecer. Por ejemplo, tenemos Fate/Grand Order Arcade (2018), que es un PvP (principalmente, ya que también cuenta con un escueto modo PvE) en el que combatimos en luchas de tres contra tres a tiempo real. Este último ejemplo abunda también en la cada vez más prolífica relación entre licencias ajenas a las desarrolladoras, normalmente cogiendo el testigo de licencias de anime o de títulos de éxito en smartphones. Otro ejemplo de ello sería Kemono Friends 3 (2019), un título que apuesta por combates por turnos al igual que Code of Joker (2013) o Pokémon Ga-Olé (2016). Aún así, gracias a los arcades se ha podido ver rescates de propiedades intelectuales que han estado en el dique seco hace años, como pasaría con la saga Shining en Shining Force Cross (2009). Esta entrega es básicamente una secuela espiritual de Quest of D, por lo que se sigue apostando por una experiencia jugable que recuerda a Diablo (1996) y Phantasy Star Online (2000), en el que debemos conseguir armamento y objetos en diferentes mazmorras.
Kantai Collection Arcade, uno de los títulos más exitosos de Sega AM2.
La gestión y estrategia es otro género que se ha visto beneficiado. Posiblemente Sangokushi Taisen sea el título más referenciado, ya que ha tenido versiones en consolas. Su jugabilidad se basa en combates estratégicos contra otro jugador, humano o no, donde organizamos nuestras tropas mediante cartas físicas a la vez que ejecutamos nuestros ataques. Por otro lado, Kantai Collection Arcade (2016) presenta una suerte de combates de flotas navales (representadas como chicas) mediante Active Time Battle, en el que tenemos la posibilidad de navegar por el escenario para evadir o atacar en el momento adecuado.
Cambiando de tercio tenemos Wonderland Wars (2015) o Lord of Vermillion (2008), que optan por el género MOBA ayudándose de la pantalla táctil (algo que en realidad es un estándar en cualquier cabinet actual), combinado con cartas físicas. Los mencionados juegos de gestión, como WCCF Footista (antiguamente conocido como World Club Champion Football) siguen funcionando, al igual que los StarHorse (2000-presente). Este tipo de títulos garantizan una partida de más de media hora, por lo que el precio suele ser más caro. Y esto es lo que ha dado alas al sector desde hace lustros: fomentar la fidelidad mediante experiencias más complejas. O lo que es lo mismo, se ha pasado de aquello que decía Yu Suzuki (“el juego arcade tiene que durar de media unos tres minutos”) y de experiencias intensas a que los jugadores y jugadoras pasen mucho más tiempo inmersos en títulos más profundos en el sentido de sus posibilidades y complejidad.
El público infantil también ha contado en los últimos años con varias propuestas más que interesantes, ayudado por la adopción de una imagen más amable de los salones recreativos. Normalmente estimulan el uso de la creatividad, como Edel Sunaba (2014), en el que el jugador hace uso de arena magnética para crear paisajes y fomentar su destreza. Otro buen ejemplo es el shooterRakugaki Card Battle Gekitsuiou (2016), en el que tenemos que dibujar en una carta nuestra nave espacial para después escanearla en el lector magnético de la recreativa y ver y utilizar a nuestra creación en ella. Y tampoco hay que olvidar que hace unos años se ha retomado la mencionada y exitosa saga Mushiking. En definitiva, vemos que Taito es la casa de los juegos de lucha, en Sega y Namco Bandai es todo es mas ecléctico, con bastante interés al juego online, mientras que Konami apuesta más por los juegos musicales.
Pero, ¿por qué no suelen salir estos juegos en consola? Pues la explicación no tiene mucho misterio. Sí, es cierto que hay títulos como los bemani de Konami o Oshare Majo Love and Berry que salen al mercado acompañados de periféricos que simulan lo que sería la sensación de su contrapartida arcade, y últimamente se han visto adaptaciones al mercado móvil. También tenemos casos como las diferentes entregas de Hatsune Miku o los Taiko no Tatsujin, que siguen aterrizando a día de hoy en las consolas. Pero hay otros títulos, como la mayoría de los de conducción o los de acción multijugador que extraña que no se vean en nuestros dispositivos domésticos. Pero la razón por el que la mayoría de juegos no salen en otras ventanas es simple, como denotaban las declaraciones de Yo Momotani: no hacer daño al sector arcade.
Resquicios actuales
En los salones correspondientes de cada empresa nos encontramos con cabinets de las susodichas, como si hubiese un pacto de no agresión. Movimientos recientes reconocen dicho pacto, y es que hace poco Taito y Sega han acordado que van a compartir el mismo sistema online “para contribuir a revitalizar la industria del entretenimiento”, como dice el comunicado. Según Takenobu Mitsuyoshi, el mítico compositor de bandas sonoras como Daytona USA o Sega Rally (1995) “recientemente, los desarrolladores de la industria arcade están trabajando juntos para que el sector se fortalezca y atraer a más gente a los salones.”
Pero, posiblemente el mayor problema de la falta de importancia del sector ha sido no ser el referente que era antaño, no sólo en el ámbito tecnológico. Porque hay que decir que hay un punto de inflexión para varias compañías, que han dejado de dar prioridad a lanzar sus juegos antes que en consolas. Dead or Alive 6 o Street Fighter V entre otros han aparecido más tarde en los salones que en consola. Y títulos como los Mario y Sonic en los Juegos Olímpicos (2008-presente) son conversiones tardías que apenas se conocen aunque lleguen a occidente. Para este tipo de juegos “tradicionales”, el arcade ha pasado de ser su escaparate a convertirse en una ventana muy residual y secundaria.
Haruo y Akira, de Hi-Score Girl, jugando a Out Run.
Aunque no lo parezca a primera vista, cuando uno pisa un salón recreativo japonés en la actualidad da la impresión que el juego arcade tiene cierta pátina de minoritario, ya que a primera vista lo que vemos es mucha máquina de gachapon, merchandishing y los míticos Ufo Catcher. Pero también hay unos claros intentos de salvaguardar el sector con ejemplos de títulos como la adaptación deBeat Saber (2018), Mario Kart Arcade GP VR (2017) o espacios como el Sega VR de Akihabara, que optan por la realidad virtual, o el free to play característico de los móviles con Puyo Puyo Quest Arcade (2013). Tampoco hay que olvidar que sagas como Yakuza (2005-presente) muestran lo que ha hecho Sega o Namco (en Yakuza 5) en los arcades, desde Virtua Fighter o Out Run (1986) hasta aquella locura en el que gamificaron los urinarios con Sega Toylet (2011).
La diferentes entregas de títulos como Tekken siguen dando guerra tanto en consolas como en sus cabinets, mientras que mangas como Hi Score Girl y sus secuela (2010 — ) nos muestran que todavía hay nostálgicos de los salones, aparte de los eternos jugones salaryman. Una pena que mucha gente no lo pueda o ni siquiera los haya experimentado jamás, porque jugar en esos ambientes a juegos únicos es impagable. Aunque, como se puede denotar, en el archipiélago nipón ya se empieza a acusar cierta fatiga. No en vano, en veinte años se ha pasado de más de 50.000 salones arcade a menos de 15.000 en 2017, según la Japan Amusement Industry Association (JAIA), con sonados cierres como el de Anata no Warehouse el pasado otoño o la venta de los doscientos Club Sega por parte de Sega Sammy a Genda el pasado mes de noviembre de 2020.
Empleados del mítico Club Sega Akihabara #2 en 2020, agradeciendo a los clientes por todos estos años.
Quién sabe: ante noticias como la reciente absorción de la rama arcade de Sega por parte de la de consolas (a pesar que dicha división ha representando un porcentaje considerable a las arcas de la compañía hasta la llegada de la pandemia) y la nueva reorganización de estudios, quizás haya más presencia de este tipo de juegos en un abanico mucho más amplio de dispositivos y en un futuro inmediato. De hecho ya comenté hace unos meses que la Sega Arcade resulta que ha estado lanzando varias conversiones para consolas y móviles. Además Konami ofrece desde hace un tiempo el poder jugar remotamente a sus juegos arcade, como Bombergirl, vía móviles y PC.
Puede que todos estos eventos hayan hecho que todavía siga vigente la experiencia de los salones y sus todavía originales propuestas inéditas, pero esta vez en nuestros dispositivos domésticos. Aún así en occidente empieza a haber bastante movimiento referente a la cultura arcade “presencial”, gracias a varias iniciativas que hay en la actualidad como el Museo Arcade Vintage de Ibi, Arcade Planet en Sevilla, Arcade Levels en Zaragoza o Mikado Game Center Europe de Tudela entre otros, así como varios salones que apuestan por la realidad virtual como mayor atractivo. Pero las cosas que nos llegan con cuentagotas no dejan de ser una mera curiosidad (como lo que distribuye la ex-filial europea de arcades de Sega), entre resquicios del pasado a modo de preservación y punto de encuentro de nostálgicos. Por ello, a pesar de todo, la situación dista mucho de la de antaño y casi que busca más la experiencia retro, a diferencia de un mercado nipón que ha buscado diferenciarse y adaptarse al presente.
Mikado-chan nos aconseja llevar máscara en los arcades que llevan su nombre.
«Texto publicado originalmente en la newsletter de City Game Pop, el proyecto hermano de BeatnikMag»
¡Hola! El programa de este mes en Beatnikmag Radio consiste en un mix en el que he recopilado varias canciones japonesas en el que se ponen a charlar mientras suena música incidental. Aunque también hay pistas donde las voces hablan de aspectos referentes al lenguaje, como el recitar el silabario japonés a ritmo de bossa nova, jugando al shiritori (palabras encadenadas) o decir cifras en japonés mientras suena música electro.
Sí, la verdad es que ha quedado un programa algo especial, pero lo cierto es que tenía ganas de hacer algo de este estilo y he disfrutado mucho al confeccionar la selección. El caso es que he dejado muchísimas canciones fuera, por lo que quizá en un futuro haga una segunda parte. Pero tocará esperar, porque el mes que viene toca un especial sobre el Shibuya kei.
“Este texto se publicó en Canino en junio del 2020, pero se retiró de la web en diciembre de ese mismo año debido a las quejas del autor de varias fotografías que se utilizaron en el artículo. Esta versión (actualizada, aumentada y dividida en dos partes -más un express de recomendaciones próximo-) utiliza imágenes libres de derechos de autor.”
Primera planta de uno de los tres Club Sega (de los doscientos que pueblan las ciudades en Japón) que hay en la mítica postal de Akihabara, llena de máquinas de “gachapones” y prize games, como los UFO Catcher llenos de peluches a la espera de dueño. En la segunda planta igual, aunque esta vez al panorama se suman gran cantidad de figuras relacionadas con la cultura popular.
Para empezar a ver videojuegos en sí tenemos que subir hasta la tercera planta, aunque pronto la imagen que teníamos de un salón arcade se esfuma ante nuestra cara de extrañeza. Nos encontramos a decenas de japoneses sentados en máquinas muy diferentes de la imagen que puede tener un extranjero: pantallas táctiles y tapetes con la capacidad de leer cartas que se utilizan para juegos de estrategia. Subimos otro piso y, por fin, nos encontramos ante algo más familiar. Juegos de lucha, ya sean clásicos o modernos y que, si no fuera por su pantalla en HD panorámica, son más fáciles de rememorar por nuestras retinas occidentales. Subimos otra más y ya sí, es como una de las pocas salas arcade que hay en España: muchas Naomi y similares… pero a medida que nos adentramos en dicha planta y subimos a la siguiente volvemos a ver imágenes de títulos de ámbito multijugador que no se nos hubiera pasado por la cabeza que existían.
Si bien es cierto que hay juegos tradicionalmente arcade, nos da la impresión de que nos hemos perdido unas cuantas generaciones de innovación del sector. De hecho, a simple vista y dejando de lado el tipo de cabinet y los géneros jugables, algo tan sencillo como lo de meter monedas no es algo común, ya que lo normal es adquirir una tarjeta en la que metemos dinero a modo de créditos. Sí, los salones y sus juegos han cambiado, pero antes de intentar discernir cómo y desde cuándo se ha llegado aquí, vamos a echar la vista atrás de manera breve para buscar respuestas.
Inicios de los arcades y auge del sector
Las salas arcade empezaron como tales a mediados del siglo pasado, con el auge de las recreativas electromecánicas y pinballs. Ya en la década de los setenta empezaron a aparecer cabinas, haciendo uso de la base de los éxitos de la época como Pong (1972) o Space Invaders (1978). A partir de ahí, gracias a que años más tarde empezarían a aparecer los Taikan y la cultura del videojuego empezaba a estar en auge gracias a las consolas domésticas, los salones arcade se convirtieron en lugares bastante comunes en cualquier población. Poco después nos encontraríamos con las placas de Capcom o SNK, asiduos en los salones de todo el mundo y, posteriormente, la revolución 3D y los recreativos de grandes superficies llegarían a establecerse en España.
Un “Invader House” allá por principios de los años ochenta.
Pero la llegada de las consolas de quinta generación hizo que los salones arcade dejaran de estar en boga en occidente. Esto, unido a que las diferentes placas recreativas -ya muy avanzadas y donde cada partida ya resultaba un tanto cara (en parte por los diferentes impuestos añadidos al consumidor)- hizo que estos espacios perdiera atractivo en una generación que terminó apostando por experiencias más narrativas. Aun así las conversiones arcade fueron uno de los mayores reclamos de la industria en la generación de 32bits. No hay más que ver las comparaciones entre Ridge Racer (1994) y Daytona USA (1993) o Virtua Fighter (1993) y Tekken (1994) de los inicios, la posterior época de fiebre de beatmania (1997) o Dance Dance Revolution (1998) y las sucesivas entregas de las diferentes sagas de Capcom, Sega o Namco. Con el añadido de la salida de varias placas arcade basadas en las consolas del momento por parte de estas empresas, la industria miraba cada vez más a una retroalimentación entre los arcade y las consolas, en parte por el ahorro de costes.
Aún así en Japón, gracias a que había una cultura arcade mucho más arraigada (e incluso contar con publicaciones centradas en las recreativas, como Gamest o Neo Geo Freak), los estudios de desarrolladoras como Namco, Capcom o Sega todavía veían al arcade como el principal instrumento para derrochar su creatividad, dejando a la rama de consolas como algo más secundario y costoso al necesitar más tiempo de desarrollo y, por ende, ofrecer más riesgos económicos.
Portada del primer número de Gamest, la revista más importante del mundo arcade.
Sega, a pesar que cabezas como Toshihiro Nagoshi opinaran lo contrario, apostó una de sus dos últimas cartas (una de ellas era la conectividad online) como desarrolladora de hardware doméstico a oficializar esta unión, diseñando la placa Naomi y Dreamcast y acabando así con el monstruo de dos cabezas de la empresa, ya que se pasaba de las diferencias abismales entre Saturn y las diferentes Model a un todo: la verdadera experiencia arcade en casa. De hecho en Japón se podía guardar nuestro progreso en la Visual Memory Unit y el cabinet arcade para desbloquear contenido (algo que se volvería estándar más adelante mediante las mencionadas tarjetas, como AIME). Igualmente, la sensación era que el sector arcade perdía importancia. Y es que a partir de ahí el hardware de recreativas dejaría de ser el referente gráfico cuando ya en occidente flaqueaban los pocos salones que quedaban. Era hora de reinventarse y volver a los orígenes.
La alerta principal llegó cuando Sega empezó a bajar beneficios correspondientes al sector arcade, que era el activo más importante de ingresos. Una vez que entró en pérdidas, enseguida se cortó el grifo de la división de consolas. Pero eso no hizo que dejara de crear hardware (y así ha seguido hasta nuestros días). Muchas de las desarrolladoras que diseñaban placas arcade decidieron asociarse con otras. Por ejemplo, Capcom dejó de lado sus placas para asociarse con Sega en un idilio que duró unos cuantos años hasta que apareció la gran rival de éstas: las placas Taito Type X. SNK se refundaría y dejaría de lado la ya vetusta MVS para desarrollar para esa Dreamcast de Sammy llamada Atomiswave. Incluso dos de las empresas más potentes en los arcade, Sega y Namco (con la colaboración de Nintendo), unirían fuerzas sacando a la luz la placa Triforce.
Power Stone (1999) fue uno de los primeros arcades de Capcom que no salió en una placa de la compañía.
A mediados de la década de los dosmiles se dejó de lado casi en su totalidad el lanzar placas únicas o basadas en las consolas del momento para adoptar el estándar PC. A raíz de eso (y de la nueva tendencia de videojuegos destinados a los salones), los resultados financieros eran más que buenos… en Japón, ya que por aquella época el sector arcade representaba el 30% de las ganancias del mercado del videojuego en el país. De hecho, y para discernir la importancia del arcade, Sega ya conseguiría beneficios en su división dedicada a los salones en el 2002, mientras que la de juegos de consolas no haría lo propio hasta 2006, después de diez años de pérdidas. Viendo cómo los salones arcades morían en occidente, nos puede sorprender la importancia que le han dado las empresas niponas en su territorio y parte de Asia.
Reconversión jugable a inicios de siglo
Pero este auge no vino por arte de magia. Cuando Dreamcast cayó y empresas como Sega o Namco vieron que la amenaza hacia el mercado arcade era real (de hecho, estas dos empresas casi se fusionan en la época) empezaron a surgir nuevas ideas que se distanciaran del semi-fallido proyecto Naomi. Las dos principales ideas siguen en los salones, cómo no, en su gran mayoría japoneses: juegos basados en cartas y conectividad online. El primer tema surge por Hisao Oguchi, el cabeza de Hitmaker (estudio más conocido como AM3) y posterior presidente de Sega en la época de transición de la fusión con Sammy. Básicamente Oguchi era fan de las cartas coleccionables, por lo que le pareció buena idea aplicarlas a los videojuego. A día de hoy coleccionar este tipo de cartas y aplicarlas a los juegos se ha convertido en uno de los pilares del sector arcade. El primer título en utilizar este tipo de gimmick, World Club Champion Football (2002), está basado en cromos de Panini coleccionables que nos sirven para cambiar las tácticas en los partidos en tiempo real.
El “flyer” de Virtua Fighter 4 en el que se explica la conectividad en red.
Por otro lado, es cierto que el posicionamiento online que se quiso aplicar a Dreamcast no terminó de cuajar en el mercado doméstico. Pero Hiroshi Kataoka (el máximo responsable de AM2 desde que Yu Suzuki e Hisashi Suzuki se fueron) vio que las funcionalidades en línea podrían funcionar en los salones japoneses aplicando el estándar VF.net en Virtua Fighter 4 (2001). Y vaya si lo hizo. De hecho, el mítico estudio de Sega se ha ido especializando en juegos-servicio de ámbito multijugador desde entonces que, curiosamente, apenas han traspasado fronteras.
Por esa época también empezaron a surgir otro tipo de arcades basados en profesiones, siguiendo el éxito de TaitoDensha de Go! (1996). El más conocido por todos seguramente sea Crazy Taxi (1999), pero salieron más. Aparte de Airline Pilots (1999), Emergency Call Ambulance (1999), Police 911 (2001), posiblemente el que más llama la atención sea Brave Firefighters (1999) que, además de servir como demostración de efectos de iluminación en tiempo real de la época, jugablemente consistía en ponerse bajo la piel de un bombero manejando una manguera.
Un cabinet de uno de tantos “Densha de Go!”
También aparecieron otros títulos más basados en la gestión, que alguna vez se han llegado a ver en occidente. Aparte del citado World Club Champion Football, tenemos ejemplos como Derby Owners Club (1999) un título de ámbito multijugador en el que tenemos que criar a un caballo de competición, así como ser su jinete. Este último es también uno de los primeros títulos que utiliza las tarjetas magnéticas que permiten guardar los progresos del jugador, algo, como he mencionado, común a partir de ese mismo instante.
Siguiendo con la fiebre del coleccionismo, en 2003 se lanzó el primer juego de cartas coleccionables para niños, Mushiking Beetle King (2003) que gozó de gran popularidad en sus versiones domésticas, llevando a la chiquillada la fiebre arcade a mediados de los dosmiles. De hecho, hay un nicho bastante importante en este target de población, lo que ha hecho que salgan a día de hoy iniciativas que más adelante mencionaremos.
¿Yakuza? ¿Sonic? No, el segundo juego más vendido de Sega en Japón es este “Oshare Majo Love and Berry”, una conversión arcade.
Al año siguiente se lanzó un juego de cartas coleccionables pensado para niñas, Oshare Majo Love and Berry (2004). Curiosamente, la versión que salió en Nintendo DS es el segundo y último million seller de Sega en Japón, por detrás del mítico Virtua Fighter 2 (1995) de Sega Saturn. Un indicativo más que suficiente que sirve para medir la edad de oro de los arcades de aquella década.
La introducción de funciones online
Por otro lado, lo que también ha dado alas al sector arcade japonés es, sin duda, el juego en red. Como hemos mencionado, Sega estaba centrada en el juego online en Dreamcast, y esa idea también estaba pensada para llevarla a los salones. A partir de Virtua Fighter 4 se estandarizó el sistema en red VF.net (lo que se convertiría posteriormente en ALL.net) para que cualquiera pudiese ver los rankings de los jugadores, el rango o personalizar a los luchadores, aparte de recibir actualizaciones del software en línea. Y para echar unas partidas con otros jugadores (no solo en muebles interconectados, sino de otra prefectura japonesa en algunos casos), aparecerían títulos como SEGA four-player Mahjong MJ2 Network Ver (2003), que es una versión mejorada de SEGA four-player Mahjong MJ, lanzado el año anterior. A partir ahí, y gracias al empuje de otros títulos como Sangokushi Taisen (2005) o Quest of D (2004), esta vertiente online llegaría para quedarse, convirtiéndose en otro de los pilares de la nueva revolución en los arcades.
Sí, estamos hablando mucho de Sega ya que se podría decir que es la empresa líder incontestable del arcade de las últimas décadas y la que más ha intentado innovar. Pero no es la única. De hecho, la gran rival de ésta en los salones, Taito, le comió bastante terreno en los 2000 desde que metió en los arcades a una de sus placas mas longevas: la familia Taito Type-X, que significaría un cambio en el paradigma arcade al adoptar la arquitectura PC para abaratar costes. Por ello, Capcom dejó a Sega, al igual que SNK o Arc System Works entre otras, unido al paraguas de una de las empresas majors del panorama nipón, Square-Enix, y esta se convertiría en la placa arcade favorita para los juegos de lucha. Aparte, posteriormente Taito introduciría con éxito NESiCAxLive, un servicio de descarga de juegos a elegir por el usuario que haría que los propietarios de la placa no tuviesen que adquirir más juegos físicos. Sega tomaría nota y lanzaría su propio servicio digital, el comentado ALL.net, ofreciendo incluso juegos de Namco Bandai en los últimos tiempos, históricamente su gran rival.
Retomando el juego online, hay unos cuantos ejemplos a reseñar. Curiosamente un género que atribuimos más a occidente como sería el PvP multijugador ha llegado a ser muy popular. Un ejemplo muy llamativo es Kidō Senshi Gundam: Senjō no Kizuna (2006), un shooter con funciones online en el que la cabina cuenta con una pantalla panorámica curva que simula el interior de los mecha de la mítica serie. Posiblemente el mayor éxito de AM2 en la última década, Border Break (2009), ha conseguido grandes beneficios con su propuesta de combates multijugador de 10 contra 10 jugadores simultáneamente. El mítico estudio de Sega ha intentado hace poco repetir el éxito con Soul Reverse (2018), un juego con una propuesta más similar a League of Legends (2009) con apariencia de Dark Souls (2011), pero que no terminó de cuajar, lo que le ha llevado a descontinuarse recientemente.
Por supuesto, estos no son los únicos ejemplos de juegos en el que su mayor atractivo está en su modo multijugador online ya que, entre otros, el género de lucha se ha visto muy beneficiado. Pero para saber más de ello tendremos que esperar hasta el próximo 7 de abril, día que se publicará la segunda parte de este artículo.
Recomendaciones a modo de anexo
Dejo un listado de juegos que me parecen imprescindibles y que debéis jugar para rememorar o descubrir los arcades. En esta edición voy a recomendar juegos hasta el 2000, por lo que en el boletín de la segunda entrega del artículo pondré los arcades recomendados a partir de ahí hasta nuestros días. Por supuesto que me voy a dejar obras famosísimas y valiosas ahora, pero he decidido que es mejor recomendar juegos que se puedan adquirir o jugar en consolas actuales.
Astro City Mini: Salió en Japón en las pasadas navidades y contiene 37 juegos que salieron en placas como System 16, System 32 o Model 1. Básicamente recopila los principales arcades que salieron en recreativas de Sega obviando títulos que requerían volante, pistola y demás gimmicks.
Street Fighter Anniversary Collection: contiene toda la saga Street Fighter hasta la tercera entrega, además de tener modo online en las en las versiones definitivas de cada una. Me parece un recopilatorio imprescindible si se quiere tener en físico.
Capcom Beat em up Bundle: Una recopilación de siete clásicos “yo contra el barrio” de la mítica compañía de Osaka. Nunca está de más volver a adentrarse en la Metro City de Final Fight
Dungeons and Dragons Collection: Otro “recopilata” que recoge los que son a mi parecer los mejores beat em up de la historia. George Kamitani, creador de Dragon´s Crown o 13 Sentinels, trabajó en estos títulos y se nota la influencia en el juego de Vanillaware.
Vampire Chronicle: Este es solo digital y en consolas como Xbox 360 y PS3, pero contiene las dos mejores entregas de esta saga de Capcom.
Entre Yakuza: Like a Dragon y Judgment hay una buena cantidad de clásicos arcade de Sega que van desde Space Harrier o Out Run hasta Virtua Fighter 5, pasando por otros clásicos como Fighting Vipers. Sin olvidarnos de la posibilidad de jugar a los UFO Catcher y pisar virtualmente varios Club Sega (que no tienen mucho que ver con los reales, pero bueno). En otras entregas de Yakuza hay arcades hechos expresamente para el juego, como Boxcelios, y otros rediseñados, como Kamurocho of the Dead o Mushiking: Queen of Beetles. Para ver el listado de juegos en cada entrega os invito a echar un vistazo aquí.
Sega Model 2 Collection: Es una serie de lanzamientos de varios juegos que salieron en esta famosa placa de Sega, como Sonic The Fighters, Daytona USA, o Virtua Fighter 2. Salió en Playstation 3 y Xbox 360 y son retrocompatibles en sus inmediatas sucesoras.
Sega Ages: Otra serie de juegos retro para Switch del que han salido obras como Virtua Racing o Shinobi. En Xbox 360 y PS3 también hay un buen puñado de arcades retro bajo ese nombre, en su mayoría basados en los Sega Ages de Playstation 2.
Sega 3D Classics: Tres cartuchos imprescindibles con una buena ristra de arcades de Sega. Contiene, a mi parecer, la mejor versión de Out Run. Y es muy gratificante jugar a otros taikan como Galaxy Force 2, ya que han emulado gimmicks del cabinet.
De SNK hay un buen puñado de juegos en consolas recientes, como los ACA Neo Geo. Imposible decantarme por unos pocos juegos, pero siempre es recomendable tener algún Samurai Shodown, algún King of Fighters o Garou: Mark of the Wolves.
Crazy Taxi: Hay una versión en PS3 y 360, aunque sin la banda sonora original. Es compatible con sus sucesoras creo recordar.
Radiant Silvergun: El clásico de Saturn y su placa ST-V. Imprescindible si os gustan los shooters y/o Treasure.
Virtual On Masterpiece: Los tres juegos principales en Playstation 4, casi nada. Aunque es exclusivo en Japón. Aún así en Xbox 360 salieron dos entregas que se pueden comprar fácilmente. Eso sí, me parece importante hacerse con el mando que emula al del arcade.
Y muchos más, como los lanzamientos de Hamster (los citados ACA) y varios recopilatorios de shooters como Darius Cosmic Collection.
Os recomiendo un par de webs centrados en los arcade.
Beep Game Center: La mejor web en español del mundo arcade, aunque está centrada en todo lo acontecido antes de la revolución del sector en los dosmiles.
Arcade Heroes: Si queréis saber más de la actualidad del arcade, esta web en inglés es la que hay que consultar para haceros eco de futuros juegos que llegan a occidente o en Japón.
Nada, que esta semana no iba a haber artículo pero como he creado un canal de Discord que, aparte de servir como punto de reunión para poder manteneros al tanto de noticias y poder charlar entre nosotros de cualquier cosa, también he habilitado un bot que me permite pinchar música a modo de radio. Así que si tenéis curiosidad de lo que escucho y os gusta la música japonesa (o simplemente queréis descubrir nuevos grupos), sabed que casi todas las tardes estaré pinchando música a quien le interese.
También he puesto un par de canales de texto por si queréis charlar de cualquier cosa, pero el cometido principal de esto es la citada radio (aunque nunca está de más crear comunidad, estaría guay). Por cierto, podéis recomendar canciones y artistas en el canal que he creado para eso mismo. Y la idea es “stremear” también de vez en cuando el podcast que hago mensualmente, pero todavía tengo que mirar cómo hacerlo.
Para escuchar la radio solo tenéis que entrar en el canal de voz de dicho canal y poco más. Si queréis ajustar el volumen, solamente tenéis que dar click derecho a “City Game Pop Groovy” y veréis el ajuste del volumen de usuario. Y si no os aclaráis, preguntad sin vergüenza.
En esta decimosexta edición de BeatnikMag Radio escucharemos una pequeña selección de música de los trece mejores juegos de la sega post Dreamcast a mi parecer (diez juegos de Sega y tres de Atlus).
Por cierto, si queréis ver mis comentarios sobre estos juegos que elegí os invito a pasar por aquí.
El tracklist de este programa se compone de:
Drop Pop Candy — Kohane, Ann, Rin, Luka
Carefree Puyo (Puyo Puyo Tetris 2) — Hideki Abe
Lots of Love (feat. 初音ミク) — Lol (Lots of Laugh)
YO (Acid Jazz Ver.) (Catherine: Full Body) — Shoji Meguro
Niji no Kanata (Sakura Wars) — Sumire Uesaka
Ai wa tsuienaide (Virtua Fighter 5 Final Showdown) — Takenobu Mitsuyoshi
LAST WAVE-(アウトラン) Vocal Ver. — Takenobu Mitsuyoshi
Spring Breeze (Yakuza 7) — Sumire Uesaka
With the Stars and Us (Persona 5) — Shoji Meguro
Funky Dealer (Jet Set Radio Future) — Hideki Naganuma
Friday Night (Yakuza Zero) — Kensuke Inage, Yoshihiro Arai
En esta segunda entrega finalizaremos el repaso de las cabeceras más importantes relacionadas con el videojuego en Japón y recordaremos revistas que se dejaron de editar en la pasada década.
Por cierto, si te lo perdiste, la primera entrega de esta serie se puede encontrar aquí
Las que ya no existen
Gemaga (1984–2012)
Posiblemente la pérdida más dolorosa en las librerías y combini nipones. Y no solo por ser la revista más veterana centrada en videojuegos de Japón que quedaba en pie hasta su cierre, también porque el fan japonés de Sega perdió lo que sería su “biblia” de referencia. Porque sí, desde que esta cabecera se llamaba Beep!, siempre fue a contracorriente al cobijarse a lo que sería el paraguas de dicha compañía en un momento en el que todas las revistas se centraron en Famicom e incluso Pc Engine. Ojo, que fuesen fans de Sega no quiere decir que esta revista perteneciese a la susodicha. Curiosamente la misma Famitsu sí que estuvo un tiempo dentro de CSK, y por ende estuvo en la misma corporación que Sega, que fue cuando salió a la venta la genial Famitsu DC.
Tengo pendiente un especial sobre esta revista en el que me explayaré más, pero bien es cierto que a partir del 2006 estaba muy centrada (quizá demasiado) en juegos de idols y visual novels de chicas porque el editor era fan de este tipo de cosas. Para que nos hagamos una idea de la última época, y después de ser una revista más o menos parecida a Famitsu, el enfoque final era intentar rivalizar con Dengeki G´s centrándose en títulos como The Idolmaster. Eso sí, la vena “seguera” nunca se fue. Por ejemplo en el último número había un especial sobre Sakura Wars y regalos varios sobre la compañía.
Monthly Arcadia (1999–2015)
Otra pérdida que dolió, aunque esta al parecer se veía venir hace mucho. Básicamente Arcadia era la heredera de Gamest y Neo Geo Freak, revistas centradas en los arcade. En los primeros años de Arcadia se siguió con un estilo parecido a la mencionada Gamest, muy enfocado en juegos de lucha y score attack. Pero como ya dije en Canino, el sector arcade cambió “muy mucho” a partir del año 2000 para optar por otro tipo de juegos que abarcaban un target mucho más amplio. Sabiendo eso, Arcadia tuvo que adaptarse a los tiempos como pudo hasta su cierre en 2015, cuando ya se publicaba cada dos meses. Se supone que parte del staff fue absorbido por Famitsu para cubrir juegos arcade (por lo menos eso se anunció, ya que son de la misma editorial).
Dengeki Arcade Game (2008-¿2017?)
Revista arcade de frecuencia trimestral (en un principio) y centrada en los títulos de cartas magnéticas. Realmente a día de hoy no sé si se edita, porque las últimas revistas que he visto son del año 2017. Lo dicho, demasiado centrada en títulos como WCCF Footista. Tanto, que en cada número solían regalar sobres de cartas de dicho juego.
Dengeki Playstation (1994–2020)
La revista mensual centrada en Playstation más veterana y una de las más importantes del mundo, cerró en 2020 de una manera que no lo vi venir. No sé las ventas que tenían ahora, pero en Gamasutra decían que a veces se vendía más que Famitsu.
Su tono históricamente fue ser una revista para “frikis” (no en vano, esta revista empezó como un suplemento de Dengeki PC Engine) con multitud de guías para exprimir juegos y una especial atención a las visual novels. Aunque corroboro que desde hace unos años hasta su cierre, su estilo se acercaba más a una revista muy seria y dirigido a gente que buscaba un tipo de prensa que se alejase de la revista japonesa llena de capturas y poco texto. Eso sí, la portada de turno sobre visual novels nunca se terminó de ir, aunque fuese ocasional.
Un cierre reciente que me sorprendió mucho, pero con cierto sentido (aunque fuese veinte años más tarde). Y es que Enterbrain, la empresa que edita Famitsu, se fusionó con matriz de la de Dengeki (que era ASCII/Kadokawa) en 1999, lo cual había que deshacerse de la que menos pedigrí tenía en la actualidad. De todas formas todavía cuentan con versión web de enfoque multiplataforma y hacen directos en redes sociales cada cierto tiempo para anunciar juegos o emitir entrevistas. Ah, salvo las Dengeki centradas en manga y la original, casi todas las cabeceras de esta marca se descontinuaron hace más de un lustro, como Dengeki Nintendo DS (que sale en lo de Gamasutra).
Used Games/GameSide (1996–2010)
Era una especie de Retrogamer que cerró en 2010. Las revistas retro en Japón (ni el retro) nunca se han llevado hasta hace bien poco. Desde entonces más bien se opta por sacar revistas conmemorativas o números especiales de una cabecera asentada, como pasa con Continue Special o a veces con Famitsu. No estoy seguro si está relacionado, pero parece que todavía sacan alguna que otra publicación temática retro como Action GameSide, RPG GameSide, Adventure GameSide y Shooting GameSide.
Revistas híbridas
Kettle (2011)
Recientemente descontinuada (al parecer temporalmente, según dice la colaboradora Minami Kitamura), Kettle ha sido una más que interesante revista bimestral sobre cultura pop muy ecléctica en el que dedicaban la mitad de cada número a un tema en concreto. Y es que lo mismo te sacaban en portada a Shin Chan en su 30º aniversario mientras que en otro número se centraban en la serie británica de Sherlock.
Como digo, no era realmente de videojuegos. Pero aparte de que no sabría cómo catalogarlo por la cantidad de temas que tocan en cada número, a finales del 2019 sacaron un número especial más que interesante sobre el 25º aniversario de Playstation y por eso lo he querido meter en este artículo. Ni siquiera se me ocurre un símil a una publicación que, aparte de lo que he mencionado, también aúna entrevistas entre famosos, crítica cultural de todos ámbitos y que el tema central difiera tanto de un número a otro. Se nota que es de la misma editorial que Continue, para bien y para mal.
V-Jump (1993)
Esta revista más bien la consideraría un semanario manga que también habla de videojuegos. Y es que aquí es donde se ha serializado Boruto, Dragon Ball Super y decenas de series importantes de la Jump. La parte de videojuegos básicamente consta de hacerse eco de títulos de licencias manga (normalmente que se publiquen en la editorial Shueisha), como las citadas, aparte de Dragon Quest, Yugioh y…poco más. Eso sí, la revista suele estar llena de extras en forma de cartas coleccionables normalmente.
CoroCoro (1977)
La revista rival de V-Jump en el que serializan los mangas de Pokemon, Yokai Watch, Doraemon, Splatoon y alguna que otra decena más. Normalmente anuncian novedades referentes a videojuegos de dichas series en esta revista (y sus hermanas). Seguramente os sonará esta revista si sois fans de Pokémon, ya que es donde se anuncian las novedades de los nuevos títulos en exclusiva. En fin, una revista dirigida a los pequeños de la casa.
Comptiq (1983)
Posiblemente sea la revista más antigua que trata sobre videojuegos y que sigue en activo. Pero a diferencia de Famitsu y similares, Comptiq se ha centrado desde siempre al PC. De hecho la revista en sus primeros años se centraba más en ser una especie de guía sobre cultura geek hasta que empezó a poner a idols en portada poco después, siendo este su gran reclamo junto a la especial atención que se le dio a los títulos eroge y RPGs como los Ys de Falcom.
Esta revista también es conocida por serializar mangas como .hack, Eureka Seven, Tales of, historias de Hatsune Miku, de la saga Atelier o de Dragon´s Crown. De hecho se considera la primera revista de videojuegos que empezó esta tendencia y que sigue hasta nuestros días. En la actualidad, para que nos situemos un poco en lo que ofrecen, Comptiq está centrada en juegos de navegador (y mangas relacionados) como Kantai Collection o Fate/Stay Night y bishojos varios.
Dengeki G’s (1992)
La revista decana de la marca Dengeki que surgió de un desencuentro de los redactores de Comptiq. Empezó en 1992 como revista de PC-Engine (la mencionada Dengeki PC Engine) y a partir de cierto punto la publicación tuvo varios apéndices enfocados en consolas y manga (como ya he dicho, Dengeki Playstation era un suplemento de esta), mientras que la revista original se fue centrando en juegos de PC japoneses (o lo que es lo mismo: visual novels, eroge y bishojo) anime, serializaciones de manga e incluso light novels. A partir de 2014 la mayoría de las series manga de la revista (para el interesado, son cosas como Love Life, Angel Beats o Sword Art Online) se trasladaron a otra revista hermana llamada Dengeki G´s Comic.
Entrevista a Shuhei Yoshida en el número 51 de Kettle.
Y poco más importante me dejo realmente. Si bien es cierto que hay más revistas que se centran en serializar mangas y hablar de juegos, las más importantes están aquí.
Si tengo que jugar a adivino, creo que no me equivocaré a que pocas cabeceras nuevas surgirán en papel, aunque hayan habido excepciones como el caso de la vuelta de Continue. Que desaparezcan es otro cantar, aunque siempre tienen el comodín de reconvertirse en una revista que empiece a serializar series manga que enganchen a lectores y aguantar el temporal como sea. Esto nos lleva a que curiosamente en Japón hay un problema demográfico (como realmente pasa en muchos países como España) en el que la población está envejecida y hay pocos nacimientos. Pero esto no se termina de reflejar en el mundo de los videojuegos y las revistas.
Básicamente me vengo a referir que el target infantil es el que compra este tipo de productos, mientras que un adulto tiene otros medios de conseguir información o, simplemente, tiene otros intereses. No hay más que ver las ventas de todo lo relacionado con Nintendo o las portátiles en anteriores generaciones, mientras que el jugador “hardcore” se ha pasado a los juegos “gacha” de móviles o han preferido quedarse en el ecosistema Playstation. Y en el caso de la marca de Sony, eso no es muy halagüeño (no hay más que mirar los datos de PS4 y su sucesora en Japón). O si no que se lo digan a Sega con Saturn o a Hudson-Nec con PC-Engine, consolas que no estaban dentro de la órbita del jugador casual.
Eso nos lleva a que quizá, después de la pérdida de Dengeki Playstation, Comptiq es la que peor lo tiene debido a que, aunque serializan manga, cubren un tipo de juegos para una población que ya no tiene tanto tiempo para estas cosas o simplemente pueden obtener información a un golpe de click. Y los últimos datos de tirada (2012) son muy bajos, ya que un tercio de sus ventas desaparecieron para quedarse en torno a unas 30.000 revistas mensuales. De todas formas, como hemos podido ver en esta serie de dos partes, la cantidad de cabeceras que tocan el videojuego es todavía envidiable en Japón.
Basándome en las reglas de los redactores de Music Magazine para la confección de su top 100 de la década pasada, he creado mi propia lista. Una excusa genial para recomendar “mis movidas”.
¡Hola! Bienvenidos y bienvenidas a City Game Pop Express, la newsletter que trata sobre música y videojuegos japoneses. Si os habéis perdido alguna entrega anterior, las podéis consultar aquí.
Acabamos ya con el ya trillado tema de la Music Magazine con la lista de mis treinta discos favoritos de la década pasada (de la manera incorrecta, desde el año 2010 al 2019…) que he hecho a modo de recomendación para mis queridos suscriptores. Y es que hacer tops me parece una manera genial de recomendar música, por lo que esta lista está hecha para ese propósito. De hecho los he clasificado por posiciones, pero realmente a eso no le daría mucha importancia, ya que tenía que clasificarlo de alguna manera y todos los trabajos que aparecen valen la pena a su manera. En fin, que esta entrega de la newsletter más bien hay que tomarla como una especie de guí o catálogo a musical a cargo de alguien que le gusta aquel “mundillo”.
Ah ¿y por qué treinta discos? Pues porque la lista original de aquella revista se hizo de esa manera: varios redactores y colaboradores eligieron treinta discos cada uno. Por cierto, dicha lista se puede consultar en una de las mejores newsletters de música japonesa con sus links a Spotify y todo.
Realmente la lista de Music Magazine, sabiendo que es una revista que tira mucho hacia el rock (y que habla mucho del anglosajón), es más variada de lo que cabría pensar. No en vano, vemos mucha representación del Hip Hop (con posiciones un poco infladas en algunos casos), discos olvidados (el de Taeko Onuki y Ryuichi Sakamoto por ejemplo — que meto en mi top -) y trabajos que muchos pensábamos que no acabarían en el top 100 “ni de coña” (como 834.194 de Sakanaction).
Pero más allá de esto, sí que es cierto que me ha molestado la falta de exponentes que fueron muy importantes en la década y que se han obviado vilmente. En concreto Kyary Pamyu Pamyu, que fue un fenómeno que surgió en el momento perfecto para que la sociedad japonesa se evadiera poco después del tsunami del 2011 y ni aparece en las selecciones individuales de los redactores.
Lo del 11-M japonés lo menciono porque gran parte de la lista bebe mucho de la influencia que tuvieron estos artistas por parte de la sociedad. Y como ya digo, Kyary tuvo un papel más importante que Haruomi Hosono, que es la excusa que ponen los redactores al elegir a Hosonova como el décimo mejor disco de la década al ayudar a dicha evasión de los hechos de Fukushima. Vale que Hosono y sus “descendientes musicales” copen la lista en gran parte (el número 1 es básicamente una versión actual del Haruomi Hosono de la década de 1970), pero las ventas de la Kyary de la época frente a las de Hosono…son las que son.
Una de las imágenes promocionales de “Lucky” de Towa Tei (disco de mi top), que contó con la colaboración de la gran Yayoi Kusama.
Otro elemento importante muy evidente en la lista de Music Magazine es todo lo que rodea el final de la era Heisei. De hecho no me extrañaría que el número uno esté en esa posición por llamarse “Heisei” y salir meses antes de la abdicación de Akihito, con todo el significado implícito que conlleva. No es mal disco ni mucho menos, pero ya mencioné en algún lugar que, más allá de este concepto, se me escapa la importancia de este trabajo en comparación con otros. Aunque bueno, mi top tres peca de eso también, ya que ambas partes hemos elegido lo que más nos gusta al final.
En fin, que parte de la intención de mis lista es arreglar un poco ese desaguisado de preferencias y obviedades de esta publicación. Aunque bueno…reconozco que dejo de lado algún que otro género y tiro hacia lo que me gusta (sin ir más lejos…como hacen los de Music Magazine, que han puesto a dos discos de Konishi Yasuharu y para nada son merecedores de esta ahí).
Bueno, en todo caso esto no deja de ser un top personal y mis preferencias son las que son. Empecemos ya.
El TOP
30. Sakanaction — 834.194 (2019)
Después de seis años sin sacar nada inédito (más allá de singles y algún que otro recopilatorio), este quinteto de electrónica/new wave se resarció con un álbum doble brillante. Nunca he sido muy fan de este grupo, todo sea dicho, pero debo reconocer que aquí han estado finos.
29. Seiko Oomori — Zettai Shoujo (2013)
Un trabajo con que empieza con un par de temazos electropop pero que inmediatamente después resulta ser un disco donde prima la vertiente acústica de esta peculiar cantautora. El primer disco de Oomori que me sorprendió para bien, aunque siguen sin gustarme las canciones donde canta de manera desquiciada (aunque en este disco solo hay un par de temas así).
28. salyu x salyu — s(o)un(d)beams (2011)
El proyecto de Salyu y Keigo Oyamada que combinaba los diferentes rangos vocales de esta con los experimentos sonoros del último. Y lleno de invitados de lujo, como Seiko Ito o Shintaro Sakamoto, aportando sus letras al conjunto de este disco tan peculiar.
27. Hitsujibungaku — Wakamono Tachi e (2018)
El fin de la juventud en un disco. El disco debut de Hitsujibungaku es un recorrido a los altibajos emocionales de esas edades (hay unos versos de “Drama” que son “nuestra juventud se va a acabar/por lo que ya no hay razón para vivir”) para acabar con una mirada positiva hacia el futuro en “Tenki Yoho”, la canción que cierra el disco. Lo mejor de todo es que Powers, que salió el año pasado y comenté en el segundo express, es todavía mejor que este.
26. Kimonos — Kimonos (2010)
El homenaje a la música underground de finales de los 70 y 80 a cargo de Mukai Shutoku (Zazen Boys, Number Girl) y Leo Imai (Metafive). Un poco de Electropop y New Wave, un par de covers referentes aderezados con un toque orientalista y ya tenemos uno de los mejores discos japoneses de los últimos diez años.
25. Satoko Shibata — Do You Need a Rest From Love? (2017)
Aunque la mayoría de las canciones de Ai no Jyuitsu entran dentro del espectro del folk, lo cierto es que lo que mejor funciona de este trabajo es cuándo a esta cantautora de Sapporo se le cruzan los cables “electro”, ya sea rock o el drum&bass de la última canción del disco. Para que nos entendamos, es como si la Seiko Oomori de sus discos acústicos no hiciese que nos sangrasen los oídos, lo cual es un muy buen halago.
24. Kenji Ozawa — So kakkoii Uchuu (2019)
Disco ecléctico con una producción excelsa donde, sorprendentemente, todo sale bien. El mejor disco de Kenji Ozawa desde el mítico Life (1994). Eso sí, este trabajo gana muchos enteros si eres fan del shibuya-kei.
23. Taeko Onuki y Ryuichi Sakamoto — Utau (2010)
Taeko Onuki cantando clásicos suyos y de Ryuichi Sakamoto, tan solo acompañada con la magia del piano de este último. Qué más queréis que os diga.
22. Kirinji — Aiwo Arudake, Subete (2018)
Las bases del (city) pop sofisticado de Cherish están aquí. El mejor disco de Kirinji antes de la salida de su citado siguiente disco. La verdad es que llevan unos años en el que les sale todo bien.
21. Quruli — The Pier (2014)
The Pier básicamente recopila el variado sonido de esta banda de Kioto. En sus canciones vemos retazos de Team Rock (2001), el sonido orquestal de Tanz Walzer (2007) o la experimentación de The World is Mine (2002), sin olvidar el nuevo toque musical que supuso la entrada al grupo de Fanfan (la chica del grupo). Me atrevería a decir que este es su mejor trabajo.
20. Etsuko Yakushimaru — Radio Onsen Eutopia (2013)
Un disco grabado en su mayor parte en directo (aunque no lo parezca) en los estudios de la NHK, donde esta misteriosa cantante nos invita a adentrarnos en su mundo. Posiblemente es la artista más interesante del mundo anison, y este es su mejor trabajo.
19. Shintaro Sakamoto — Let´s Dance Raw (2014)
Bastante parecido al anterior disco (que ya veremos que está en una posición más privilegiada), solo que en esta ocasión Sakamoto aprendió a utilizar el steel guitar para dar un toque más relajante e idílico a su música mientras nos relataba cómo iba a ser el fin del mundo y cosas del estilo.
Uno de los discos que puso en el mapa mundial a Japón en materia musical. Y también el gran olvidado de la lista de Music Magazine. Y es que ¿quién no ha escuchado alguna canción de este histórico disco?
17. Sweet Robots Against the Machine — 3 (2018)
Uno de los discos más interesantes de la década es este “3” que Towa Tei y Yoshinori Sunahara se sacaron de la manga junto a Bakarhythm. Media hora de electropop acompañado de diálogos absurdos y un concepto algo extraño en general (mismamente hay una canción en el que una chica enumera las cosas que le gustan). Pero vaya, eso lo hace todavía más interesante.
16. Hikaru Utada — Fantôme (2016)
Siempre he pensado que la voz de Hikaru Utada destacaba demasiado respecto a la música en la mayoría de sus discos, pero en este Fantôme me da la impresión que en esta ocasión ambos aspectos sonoros se compenetran mucho mejor gracias a la epicidad de la música orquestada con elementos electrónicos y/o percusión de una batería estándar ¿Lo mejor del disco? Las colaboraciones. No hay mas que escuchar este “Boukyaku” con KOHH.
15. Sunny Day Service — Popcorn Ballads (2017)
Un disco doble bastante rupturista dentro del sonido del grupo y que surgió a raíz de unas declaraciones de Keiichi Sokabe, su mítico líder, donde reconocía que sentía cierta envidia ante la música de los grupos jóvenes que estaban surgiendo en el panorama musical japonés ¿El resultado? Pues casi que el maestro supera a los “críos”.
14. Hitomitoi — City Dive (2012)
Si os preguntáis de dónde vino el revival del City Pop, aquí tenéis a una de las culpables. 47 minutos de música japonesa ochentera para inyectarnos en vena. Realmente en esta posición podría estar cualquier disco de Hitomitoi.
13. Perfume — JPN (2011)
El último gran disco de Perfume, cuando todavía eran un fenómeno. Aunque debo decir que Level 3 (2013) casi se mete en la lista también, pero el toque glitch que tiene JPN hace que me decante por este último.
12. Suiyobi no Campanella — Superman (2017)
Aunque lo normal es que todo el mundo elija trabajos como Zipangu o Watashi Wo Onigashima Ni Tsuretette, Superman me parece el más maduro y equilibrado de su ya extensa discografía. Además se nota que los valores de producción son mejores que en anteriores discos.
11. Yogee New Waves — Blue Harlem (2019)
El grupo más interesante de esta nueva ola de hijos del shibuya-kei que surgió a mediados de la década pasada. Un disco con muchos toques marítimos que remiten, como no, a la época exótica de Haruomi Hosono. En el anterior express hablé más de este disco.
10. Odotte Bakari no Kuni — Hikari no naka ni (2019)
Posiblemente el álbum de rock más majestuoso que he escuchado en años. Un grupo donde tres tíos tocan la guitarra eléctrica de una manera que ninguno destaca sobre otro, junto a la voz tan llamativa de Shimotsu Mitsufumi, hacen que este disco sea una experiencia de principio a fin. En la lista de Music Magazine que recopilaba lo mejor del 2010 al 2014 estuvieron representados con un disco no tan bueno como este, por lo que me parece una injusticia que no hayan repetido en el de la década entera.
9. Shintaro Sakamoto — How to Live with a Phantom (2011)
El primer disco en solitario de una de las personalidades más presentes dentro de la música alternativa japonesa. Después de dejar la psicodelia de Yura Yura Teikoku en 2010, How to Live with a Phantom resultó ser uno de los mejores discos pop de la década. De la lista, posiblemente sea lo que más haya escuchado con diferencia en todos estos años.
8. Chai — PINK (2017)
Electro-punk-pop a cargo de un cuarteto de chicas de Nagoya que abogan por el fin de los complejos físicos en sus letras. Uno de los discos más divertidos e interesantes de la década, sin duda alguna.
7. Seiko Oomori — Tokyo Black Hole (2016)
El disco más accesible de Oomori. Aunque a sus fans les guste otro tipo de trabajos que ha hecho esta chica, como el citado Zettai Shojo, personalmente pienso que Tokyo Black Hole es el más ameno para el público en general. Y todo eso sin dejar de lado la gracia de su estilo tan particular.
6. Metafive — Meta (2016)
Una especie de homenaje/actualización del sonido Yellow Magic Orchestra a cargo de famosos fans del grupo como Towa Tei, Keigo Oyamada o Yoshinori Sunahara. Ah, y con Yukihiro Takahashi a modo de padrino comandando el proyecto.
5. Kyary Pamyu Pamyu — Nanda Collection (2013)
“Más y mejor respecto a Pamyu Revolution, pero sin olvidar que soy japonesa”. El segundo disco de Kyary se podría definir de esta manera después de escuchar cómo el orientalismo empieza a impregnar el electropop que le ofrece Yasukata Nakata. Una locura en general, pero de las que molan.
4. Kirinji — Cherish (2019)
La formula que se inició con Aiwo Arudake, Subete se perfecciona con creces en este disco. La verdad es que lo mejor que le ha pasado a este grupo (formado por una pareja de hermanos) es que uno de ellos se fuera, porque el otro miembro original que se ha quedado ha reinventado a Kirinji de una manera genial.
3. Towa Tei — Lucky (2013)
Para mi gusto, es el mejor disco de Towa Tei. La portada está a cargo de Yayoi Kusama (y participa en una canción), la música es más catchy que nunca y tiene un staff estelar con gente como Shiina Ringo, Tina Tamashiro antes de hacerse más famosa o los miembros de Yellow Magic Orchestra por separado. Creo que no hace falta decir nada más…
2. Cornelius — Mellow Waves (2017)
Un disco bastante melancólico dentro de la discografía de Keigo Oyamada. Una pena que quizá la segunda mitad del disco baje algo de enteros, pero en general este Mellow Waves es uno de los mejores trabajos de la década y bien se merece esta posición. Aunque su escucha mejora con Ripple Waves (2018), el disco de acompañamiento de este formado por remixes de Ryuichi Sakamoto y Haruomi Hosono, además de contar con nuevas canciones originales que deberían haber estado en el disco principal. De haber elegido los temas de una manera más acertada, Mellow Waves estaría en el número uno de esta humilde lista.
1. Sunny Day Service — Dance to you (2016)
Posiblemente el mejor disco de Sunny Day Service, junto al disco homónimo que sacaron en 1997. Una colección de singles potenciales que retrotraen sobretodo al shibuya kei de finales de la década de 1990 y un trabajo que en conjunto no pierde fuelle en ningún momento. Por eso está tan arriba en la lista.
Y así quedaría la lista de City Game Pop. Si queréis escucharlos os dejo aquí el top con sus respectivos enlaces a Spotify (si es que están disponibles). Espero que os haya gustado la lista o, por lo menos, descubráis algún disco o canción que os llame la atención.
En esta nueva entrega del podcast escucharemos algunos temas destacados que han terminado ocupando las primeras posiciones de la lista de los mejores discos japoneses de la década pasada y que ha publicado Music Magazine en este número de marzo.
Como siempre, el programa está disponible en Ivoox:
No acabaremos el repaso a esta lista, ya que el día 24 de marzo tocará comentarla más a fondo y algunas más que han ido saliendo en los últimos años en varias revistas japonesas. Además confeccionaré mi propia selección que servirá como excusa para recomendaros más música japonesa (que nunca está de más). Por otra parte, el miércoles día 17 toca otra entrega de City Game Pop Express ¡Nos leemos!
Esta primera entrega de artículos mira hacia el sector editorial nipón del videojuego, con el objetivo de repasar y conseguir un perfil de las cabeceras más importantes que todavía se editan allí.
Hace unos años leí un artículo en Gamasutra en el que hacían un pequeño repaso de las cabeceras más importantes de la prensa del videojuego japonés en el momento de su publicación (en 2008). Como ha pasado más de una década, me ha parecido buena idea cogerla de base para actualizarla y aumentarla añadiendo algunas revistas culturales de ese país que se dejaron de lado y que suelen tener en cuenta al videojuego en sus páginas. De hecho, el tener en cuenta revistas “híbridas”, ya lo hizo el autor de Gamasutra anteriormente debido a que realmente pocas publicaciones japonesas se centran al completo a un tema como veremos.
Por supuesto, que me haya propuesto hacer este texto también es una excusa para diagnosticar la salud de las publicaciones de papel allí y ver cómo ha evolucionado la cosa en doce años y pico.
Lo cierto es que la prensa del videojuego por aquellos lares, aunque sigue siendo envidiable, no vive una situación mucho mejor que en occidente y veremos que muchas de las revistas que mencionan en Gamasutra dejaron de existir hace bastante tiempo. Y sin olvidar que en casi todas, la periodicidad ha menguado. Esta situación contrasta levemente (ya que también ha habido más de un cierre) con otro tipo de prensa, como la de estilo de vida y moda que siguen al pie del cañón, gracias a que no dejan de ser la cantera de artistas y modelos de la importante y millonaria farándula nipona.
Algo parecido pasa con la del manga. Si bien ha habido un bajón en las tiradas, al existir una nueva y feroz competencia con los llamados webcomics que, curiosamente, suelen consumirse en muchas webs que tienen su contrapartida en formato físico. De todas formas el videojuego tiene mucha presencia en publicaciones de este estilo, siendo Coro Coro o V-Jump los claros exponentes en mezclar videojuegos y manga. Otras revistas, como Continue, hablan de videojuegos mientras le dan una importancia equitativa a la cultura popular “estándar” (como la música o franquicias anime). Como veis, no es raro. De hecho esta newsletter básicamente recoge la filosofía de las revistas japonesas de videojuegos, en la que se mezclan un par de nichos de dicha cultura pop (en este caso juegos y música del país principalmente).
De aquí a una parte, lo que también llama la atención es que en la última década se han dejado de lado las revistas dedicadas a una sola plataforma, salvo algunas excepciones. Por ejemplo Famitsu ha terminado absorbiendo a sus publicaciones centradas en las consolas de Sony, Nintendo y Microsoft. Algo parecido pasa con Dengeki, salvo que su revista más vendida (Dengeki Playstation) es la que ha terminado de publicarse, mientras que la revista matriz venida a menos (así como spin-offs centrados en el manga) siguen al pie del cañón. También esto es un indicador de popularidad de marcas. Playstation ya no cuenta con un “órgano” exclusivo en la prensa debido a que ahora mismo dicha marca es prácticamente irrelevante en Japón, mientras que todavía existen publicaciones centradas en una Nintendo que está arrasando.
Por otro lado, las webs informativas de videojuegos parece que han cogido carrerilla y se han “puesto las pilas”. Y es que como en todo el mundo, la prensa web ha ganado puntos debido, por supuesto, a las nuevas manera de consumir contenidos. En Japón curiosamente está costando virar hacia ese camino, pero existen portales de videojuegos que están ganando en importancia, como 4Gamer, la citada Dengeki o la misma Famitsu en su edición digital.
Sin más dilación, empecemos el repaso.
Weekly Famitsu (1986)
Esta revista semanal sigue siendo la revista de videojuegos más importante, conocida mundialmente y la más vendida de Japón (unos 200.000 ejemplares de tirada según datos del 2019). Estos últimos años la he ido leyendo regularmente y poco tiene que ver (para bien) con los scans que he visto de otras épocas anteriores. No hay que olvidar que esta revista sale semanalmente y la cantidad de contenido que tiene no es ni medio normal. Lo mismo una semana te sacan una exclusiva mundial, que en la otra el tema central es un especial que ocupa media revista de una efeméride, como sería ver cómo ha evolucionado el videojuego en la ya acabada era Heisei o el de los 60 años de Sega. Todo esto con cantidad de reportajes, entrevistas, columnas semanales, guías y los conocidos datos de ventas de juegos.
Se nota que presuntamente ha absorbido a staff afín a ciertos tipos de temas relacionados con las desaparecidas revistas temáticas de la marca. Por ejemplo en 2013 se dejó de editar la Famitsu centrada en Xbox que estaba compuesta por gente de la desaparecida Famitsu Dreamcast, lo cual quizá explicaría la cantidad de contenido que se lleva Sega desde entonces. Otro hecho, y no tan cogido por pinzas como el anterior, es que hay bastante cobertura de juegos arcades, y eso es básicamente porque la revista centrada en este tipo de juegos (Arcadia, de la misma editorial) anunció que se descontinuaba en 2015 y que gente del staff pasaría a Famitsu.
Lo cierto es que es un menú degustación de escándalo y quizá buena culpa de eso sea que la mencionada absorción de contenidos que procedían de las numerosas cabeceras temáticas que tenía (y que aparecían en el texto de Gamasutra). Justamente Famitsu tan solo es conocida en occidente por sus puntuaciones y sus datos de ventas en Japón. Pero una vez que tienes un número en tus manos, te das cuenta que justamente esas secciones son las menos importantes de la misma. En otras palabras: Weekly Famitsu tiene mucho más valor que eso.
Nintendo Dream (1996)
El sucesor espiritual de Famimaga, una de las revistas que rivalizaban con Famitsu por igual (y que actuaba como órgano oficial de Nintendo) hasta que en 1997 feneció como tantas otras. Nindori, como mejor se conoce esta nueva reencarnación, sigue siendo la revista de Nintendo de facto desde que se puso a la venta como 64 Dream para cubrir la salida de Nintendo 64. Pero ojo, no tiene mucho que ver con la desaparecida Nintendo Acción de España. En Nindori el tono no es para críos y hay un interés muy llamativo de la industria del videojuego. De hecho ya había una sección en la época de Nintendo 64 que criticaba las políticas de Nintendo de la época, algo que ahora mismo es difícil de creer que exista debido a la confianza ciega de los fans de esta compañía.
Aparte siguen teniendo los anuncios exclusivos de los juegos de los de Kioto y muchas entrevistas y columnas de gente relacionada con la compañía en exclusiva. Por cierto, posiblemente sea la revista más bonita y elegante de todas en cuanto a maquetación, siendo una gozada echar un vistazo por sus páginas. Además es de las pocas cabeceras centradas totalmente en videojuegos que siguen dando numerosos regalos, como un pai pai con motivos de Animal Crossing el pasado verano.
Continue (2001–2010 Primera época) y (2017- )
Una revista bimestral algo atípica, con especial atención a la cultura popular. Eso quiere decir que lo mismo hay una entrevista a una idol hablando de sus actuaciones en televisión, mientras que en la página siguiente se habla de la situación del videojuego japonés y en la otra hay un reportaje del anime y/o serie occidental de la temporada. Personalmente me recuerda un poco a los primeros números de Marca Player y algunas páginas de la Revista Oficial de Playstation que editaba el Grupo Z, en los que habían páginas de entrevistas a artistas, músicos y demás. Pero en Continue es todo más extenso y sin análisis de los juegos de turno.
Por otra parte, la óptica “videojueguil” es muy interesante, al ofrecer ingentes cantidades de texto sin apenas material gráfico y desde sus inicios le han dado mucha atención a las consolas retro (algo no muy común en Japón) dando portadas algo peculiares, como el que le dedicaron a Nintendo 64 hace un año, y sacando números especiales centrados en el programa de televisión Game Center CX. Lo dicho, una revista que no deja a nadie indiferente, más que nada porque el target no es para nada claro. De hecho suelen haber dos portadas de varias temáticas alternándose para llamar la atención a los susodichos. Vamos, que suele haber una sobre videojuegos y la portada alternativa normalmente está hecha para que aparezcan idols o un anime. A destacar también que tienen números extras anuales, llamados Girls Continue, con contenidos especiales para mujeres.
Ah, tengo que reconocer que City Game Pop se inspira mucho en la filosofía de Continue. De ahí que este invento mire hacia la música y los videojuegos.
Amusement Journal (2001)
Desde el 2001 a la venta, la vertiente de Amusement Journal no es la de comentar en demasía novedades de juegos arcade, más bien hablar de la industria desde un prisma más “de negocios”. Aún así, y a diferencia de otra revista parecida llamada Amusement Sangyo Suppan (que es como un boletín oficial de la industria del arcade), sí que se hacen eco de algún que otro título de nueva hornada. Pero de todas formas el enfoque es centrarse más en placas arcades, prize games, la actualidad de los game centers y eventos varios que tienen que ver con esta industria. O sea, una revista muy diferente a lo que sería la desaparecida Arcadia. Realmente no estoy seguro, pero creo que esta revista se edita para que empresas e interesados en montar un salón recreativo se suscriban, por lo que creo que no se vende en librerías.
Amusement Sangyo Suppan (1981)
La otra revista arcade que mencionaba anteriormente y que básicamente toca los mismos temas que Amusement Journal, pero quizá está todo (más) destinado al tema negocios que esta, porque todavía dan menos espacio a las novedades en cuanto a videojuegos. Esta publicación sí que me consta que se vende en algunas librerías.
Revistas conmemorativas varias
De un tiempo a esta parte han habido muchas efemérides, como la salida de Megadrive Mini o Playstation Classic, en los que se ha optado por revivir para la ocasión viejas cabeceras centradas en estas en su época. Así por ejemplo tenemos a la Mega Drive Beep! Dengeki Fan (un amalgama de Beep Megadrive, Dengeki Mega Drive y Mega Drive Fan) que salió a la venta en 2019 o la Famitsu PS que revivió durante un número a finales del 2018.
(publicado originalmente en enero del 2020 en la plataforma Substack)
