Radio BeatnikMag #2: Music from the Heisei Era — Part 2

Segunda parte del especial

Como ya dije la semana pasada hace un año hice una selección de los mejores 20 discos de la Era Heisei, bajo mi humilde criterio. Ahora he decidido ampliar dicha selección y compilarlo para el deleite de los interesados. Esta segunda entrega cubre música de 2003 hasta 2019, terminando así con esta serie. La semana que viene la temática está relacionada con un manga de los 80, del que hablé hace unos meses. Es fácil de adivinar.

Empezamos con un disco ciertamente rupturista de Shiina Ringo, posiblemente el mejor de esta era. Por otro lado tenemos a Sketch Show, esa otra vuelta de YMO en forma de serenidad, sofisticación y un toque intimista que se impuso a aquellos que querían revivir otros tiempos. Como no, una de las musas del shibuya kei tenía que aparecer con Trapeziste. Aunque no será el disco más recordado de Kahimi Karie, sí que creo que es el más equilibrado.

Estos primeros años del 2000 supuso nuevos proyectos de componentes que antes estaban en grupos. Uno de ellos es Mukai Shutoku (de la mítica banda Number Girl), que optó por dejar el noise rock y abrazar un más que interesante Math Rock muy resultón. Una de sus fans, la mencionada Shiina Ringo, también optó por cambiar de aires y formar otro grupo llamado Tokyo Jihen. Aunque el grupo no dejaba de ser una mera comparsa de la de Fukuoka, en Variety, Ringo cedió y dejó a cargo de sus componentes (entre ellos Seiji Kameda, ningún “mindundi”) la composición de este disco. Curiosamente Shiina Ringo, sacó ese mismo año compuso la banda sonora de Sakuran y lo llamó Heisei Fuuzoku (costumbres de la Era Heisei).

Otro grupo que se despedía era Yura Yura Teikoku, tras casi dos décadas pululando por discográficas de medio pelo, cuando por fin consiguen firmar con Sony . Por lo menos se desquitaron con el mejor disco que podían hacer, aunque utilizasen un vocabulario demasiado sucio. Y es que sí, de hecho hay una canción que habla sobre mierda. Curiosamente su líder, Shintaro Sakamoto, ahora está de moda en bastantes círculos (como en BeatnikMag).

Pasando a un estilo más comercial tenemos a Hikaru Utada. Ciertamente no soy muy de escucharla y mucho menos a sus “rivales”. Pero he de reconocer que este disco me llamó lo suficiente hace años, debido a que deja algo de lado las baladas “pastelosas” y el R&B característicos de sus primeros años, para abrazar un tecnopop muy agradable. Por otro lado tenemos a Perfume con el runner up del primer disco electropop número uno en el Oricon, veintitantos años después de que lo consiguieran los de YMO. Básicamente es Yasutaka Nakata haciendo de las suyas, dejando de lado el tontipop para enfocarse más en un estilo más dance. Justamente con la canción elegida hubo cierta polémica, ya que una de las componentes se quejó al ser instrumental. Lo dicho, disco de Nakata cien por cien.

En la recta final de este recorrido nos cruzamos otra vez a Mukai Shutoku acompañado esta vez de Leo Imai para homenajear (a su manera) a sus referentes para conseguir, según ellos, el sonido Tokio. Otro viejo conocido es Shintaro Sakamoto, esta vez en solitario, en el que dejaba de lado la psicodelia de Yura Yura Teikoku para pasar al pop sofisticado con letras incongruentes. Muy agradable de escuchar, sinceramente. Con Salyu x Salyu nos encontramos ante prácticamente un disco a medias de Salyu con Cornelius. Ella quería juguetear con sus diferentes rangos vocales, él era la persona indicada para llevar a cabo esa idea. El resultado es sobresaliente. Aparte no hay que olvidar que tambien se encuentran invitados como Seiko Ito o Shintaro Sakamoto, lo cual de da un plus de importancia a un disco que recuerdo que se retrasó por el terremoto de Fukushima.

La aparición de Towa Tei se hizo esperar en la lista. Hace un año ya dije que elegir a Lucky era una decisión extraña, ya que en este tipo de listas se suele etiquetar a Future Listening! como mejor album del hombre de las eternas gafas de sol, por aquello de salir en la época del Shibuya Kei y tal. Pero me mantengo en mis trece: este es, para mí, el mejor disco de Towa Tei.

La elección de Metafive no es baladí, es posiblemente una amalgama de sonidos de los últimos treinta años y más allá. Un homenaje al sonido YMO por parte de los músicos fans de la época. Y ahora sí, para terminar, dos de los grupos más interesantes del último lustro: Suiyoubi no Campanella y su mezcla de dance/hip hop y Yogee New Waves, uno de los grupos que más escucho en los últimos meses. Mezcla de lo que se llamaría City Pop a veces y otras sonando como una banda Shibuya kei.

Y hasta aquí el recorrido musical de esta semana, espero que os guste.

Tracklist Music from the Heisei Era — Part 2

  1. 椎名林檎 — 迷彩
  2. Sketch Show — Fly me to the River
  3. カヒミ·カリィ — Tornado (Inside)
  4. ZAZEN BOYS — KIMOCHI
  5. 東京事変 — メトロ
  6. ゆらゆら帝国 — おはようまだやろう
  7. 宇多田ヒカル — Celebrate
  8. Perfume — Speed of Sound
  9. Kimonos — Haiya
  10. 坂本慎太郎 — かすかな希望
  11. salyu × salyu — muse’ic
  12. Towa Tei — Blue For Girls, Pink For Boys
  13. METAFIVE — Disaster Baby
  14. 水曜日のカンパネラ — Napoléon
  15. Yogee New Waves — Good Night Station

Radio BeatnikMag

Cada semana, una hora selecta de música japonesa.

Hace un año, en BeatnikMag, hice una selección de los mejores 20 discos de la Era Heisei, bajo mi humilde criterio. Un año después he decidido ampliar dicha selección y compilarlo para el deleite de los que estén interesados. Porque sí, BeatnikMag también va a ser un programa musical de periodicidad semanal (presumiblemente) que abarcará temáticas variadas dentro del amplio espectro musical nipón. Música de videojuegos, electrónica, jpop, jrock…todos caben en BeatnikMag.

*Por ahora no contemplo meter mi voz en estas recopilaciones, pero todo se andará.

Programa piloto: Music From The Heisei Era (Part 1)

El programa piloto es una selección de música que va desde el año 1991 hasta el 2002. La semana que viene abarcaremos los últimos años de dicha era y dejaré caer de que tratará el siguiente programa. Espero que os guste:

Tracklist *Read on while you listen!

  1. Pizzicato Five Baby Love Child” — Extraído de This Year´s Girl (1991)

El disco que dio inicio al Shibuya Kei y el grupo que llevó esa mezcla de excentricidad y de esa elegancia japonesa imitada de occidente a ultramar. Porque This Year´s Girl es pop sofisticado, es una elección de sampleados exquisito y es una mezcla de géneros que hasta entonces poca gente apostaba a que funcionara. Después de que la formación diese tumbos desde hacía un lustro por fin dieron con la tecla, siendo los padrinos de un estilo que a día de hoy todavía perdura.

2. Flipper´s Guitar “Blue Shinin’ Quick Star” — Extraído de Doctor Head´s World Tower (1991)

La otra pata para entender el comienzo del Shibuya-kei es Doctor Head´s World Tower ¿Por qué? Pues básicamente este disco actúa de manual complementario de dicho estilo: utilización de samples, música sixties (como Beach Boys o la psicodelia) y sonido del momento (Blue Shinin’ Quick Star es sonido Madchester puro y duro) junto a un sentido del estilismo de Ozawa y Oyamada que se convertirían en la imagen de facto del movimiento en Japón. Sí, más que Pizzicato Five.

3. BLANKEY JET CITY “ディズニーランドへ” (Dizunīrando e) — Extraído de BANG!(1992)

Si los anteriores grupos que he mencionado pueden ser tratados de música por y para “pijos”, Blankey Jet City juega en el bando contrario. Su estilo estaba en otra liga, apostando por el Psychobilly con un sonido sucio, y siendo chicos “malotes” y con fama de peligrosos. Este estilo no sólo llamaría la atención a yankiis y similares, tambíen a modistos como Yohji Yamamoto (que utilizaría canciones del grupo en sus desfiles de París), fotografos como Masayoshi Sukita. Y también sería el referente de una cantera de futuras estrellas como Shiina Ringo, que cambiarían el paradigma nipón tomando el relevo de las idols de apariencia amable del momento.

4. Yellow Magic Orchestra “Hi-Tech Hippies” — Extraído de Technodon (1993)

Después de diez años, los componentes de YMO se volvieron a juntar para volver a trabajar en un nuevo disco en una época que pupílos como Tetsuya Komuro lo petaban en las listas. Lo cierto es que seguramente no era el sonido que los fans del trio se esperaban, ya que se mezclaba el spoken word con sonido new age y algo de acid. Aún así dejaron a Hi-Tech Hippies como la pista que referencia al technopop del que hicieron gala a principios de los 80 y la más accesible de todas.

5. L’Arc~en~Ciel “White Feathers” — Extraído de Tierra (1994)

Laruku es el grupo que a muchos nos “desvirgó” con esto de la música japonesa al poner música en animes como Rurouni Kenshin o DNA2. No es un grupo que vaya a aparecer mucho en este programa, pero nunca está de más echar la vista atrás para saber de dónde venimos. Lo cierto es que Tierra , trabajo al que pertenece White Feathers, a día de hoy me parece un disco de notable alto y el mejor de la carrera del cuarteto con diferencia, en el que dicha canción resultar ser el colofón final. Después de su siguiente disco, pasarían de una estética Glam/Visual Kei para adoptar una imagen de boyband de “maduritos darks” que todavía mantienen.

6. Kenji Ozawa “愛し愛されて生きるのさ” (Aishi aisarete ikirunosa) Extraído de Life(1994)

Una vez desligados de Flipper´s Guitar, cada uno de sus componentes viró por diferentes caminos. Mientras Oyamada siguió la senda de Brian Wilson y la psicodelia, Ozawa se convirtió en el referente del “tontipop” característico del Shibuya-kei. Con toques de Hip-Hop, Chamber Pop y algo de Funky, Life se convirtió en un éxito, llegando a vender más de 700.000 copias en el archipielago nipón.

7. Ryuichi SakamotoRain” — Extraído de 1996 (1996)

Es cierto que esta canción es de la banda sonora de El Último Emperador (1987) de Bernardo Bertolucci, en el que el mismo Sakamoto actúa y pone música. Pero este disco a modo de recopilatorio en directo está en la lista ya que es reseñable que el oscarizado músico nipón, después de años anclado en el sonido club neoyorkino, virase a un sonido más íntimo, clásico y academicista. Desde entonces ha ido alternando este estilo con electrónica ambiental, dejando de lado cada vez más el technopop del que fue referente.

8. Cornelius “Thank You For The Music” — Extraído de Fantasma (1997)

Otro tipo que no necesita presentación. Esta canción es el punto álgido del disco que significó el la cima del Shibuya-kei. Un disco que ha recibido tratamiento en forma de interesantes artículos sociológicos, en incluso libros. Una catálogo de sonidos dispuestos de una manera que hace a Fantasma uno de los mayores logros de la música japonesa, posiblemente.

9. Denki GrooveShangri-La” — Extraído de A (1997)

Aunque en mi opinión les ha pesado bastante la falta de Yoshinori Sunahara, ya que desde entonces la formación tiene pinta de ser un pasatiempo de unos miembros muy representados en el audiovisual nipón, Denki Groove sigue siendo un grupo muy influyente dentro de la electrónica japonesa. No en vano, esta canción vendió medio millón de copias en una época en la que había mucha rivalidad en el panorama musical japonés. Como curiosidad, Pierre Taki, aparte de ser un actor famoso, es el personaje que tuvieron que retirar de Judgment por ser detenido al poseer drogas hace poco más de un año. Y, entre otros, también ha sido director del juego The Last Guy de Playstation 3.

10. Malice MizerLe Ciel” — Extraído de Merveilles (1998)

Posiblemente Malice Mizer fue el grupo Visual Kei más interesante de todos los que surgieron en la era Heisei. Merveilles cuenta con un sonido más que interesante, en el que notamos como en las guitarras se utiliza el dual tone, que crea un ambiente muy característico a lo shoegazer, a la vez que su sonido se combina con melodías versallescas y románticas junto a otras que podrían estar sacadas del anime de Sailor Moon.

11. THE YELLOW MONKEY “クズ社会の赤いバラ” (Kuzushakai no Akaibara)— Extraído de Punch Drunkard (1998)

Yemon es otro de esos grupos de Jrock que vivieron su época dorada en los 90 y que intentaban imitar en apariencia a David Bowie y el glam noventero de Suede. Pero hasta ahí se quedaban las similitudes, porque desde un principio consiguieron dotarse de un sonido muy característico. También es otro de esos grupos que muchos de nosotros conocimos por Kenshin, que justamente significó la confirmación de su éxito comercial en tierras niponas. La canción seleccionada forma parte de Punch Drunkard, disco de madurez del grupo y del que dos años mas tarde se separarían para volver hace unos pocos años y volver a copar las ventas del Oricon. Algo que su cantante, Yoshii Kazuya, ya conseguía en solitario.

12. YUKI “眠り姫” (Nemuri Hime)— Extraído de Prismic (2002)

El primer disco en solitario de la cantante de Judy and Mary (otro grupo que mucha gente conoció por Rurouni Kenshin), muestra algo más de madurez dentro de lo que su voz infantil deja entrever. Un disco muy interesante y algo conceptual, que sigue un poco la senda que empezó la de Hakodate en el grupo Mean Machine, una girl rock band que formó un año antes junto a nuestra siguiente invitada.

13. Chara “ボクにうつして” (Boku ni Utsushite) — Extraído de Madrigal (2001)

Aunque sigue en activo, esta cantautora alcanzó gran popularidad a mediados de los 90 con trabajos como Junior Sweet (1997) y en el mundo del cine, donde actuó con su marido de entonces (el genial Tadanobu Asano) en producciones del no menos grande Shunji Iwai. Boku ni Utsushite, ya en el ocaso comercial de su carrera, cuenta con la colaboración de un James Iha que pone a su disposición sus característicos punteos de guitarra, así como su tímida voz.

14. RIP SLYME “Tokyo Classic” — Extraído de Tokyo Classic (2002)

Nunca he sido muy fan del Hip Hop, pero cuando empecé a escuchar Rip Slyme hace casi veinte años gracias a Jikkan (un programa de videojuegos que emitían por la zona de Valencia y Castellón) me llamaron la atención lo suficiente para seguirlos a partir de ahí. No inventaron nada, ni introdujeron el género en el país ni nada de eso, pero denotaban un buen gusto musical al samplear trabajos de gente como James Brown de una manera muy Shibuya kei. Varios de los integrantes del grupo formaron Teriyaki Boyz, que posiblemente conozcaís de la banda sonora de aquella saga de películas de temática Tuning.

15. QuruliWORLD’S END SUPERNOVA” — Extraído de The World is Mine (2002)

Este grupo de Kioto es una de tantas formaciones alternativas de los 90 que tomaron como referente a los Beatles. Como pasó con formaciones coetáneas como Supercar, al comienzo del milenio les dio por dejar de lado esta vertiente y el posterior rock alternativo y el shoegaze para pasar a un sonido más electrónico. Siguen dando guerra a día de hoy y se han encargado de alguna que otra banda sonora.

[Reseña] Cornelius: Mellow Waves + Ripple Waves

Después de mas de una década sin un disco propio, Keigo Oyamada vuelve a deleitarnos con su peculiar música

Y es que desde Sensous (Warner Music, 2006) el compositor tokiota decidió centrarse en colaboraciones con otros artistas aprovechando lo que mejor sabe hacer, esa deconstrucción de la música que le ha hecho colaborar con gente como Beck, Yoko Ono y su Plastic Ono Band o los eternos componentes de Yellow Magic Orchestra. También le ha dado tiempo a crear bandas sonoras como en el anime Ghost in the Shell Arise o componer la música de un programa educativo de televisión de la NHK llamado Design Ah. Y por supuesto, formando parte de Metafive, el supergrupo del que ya hablé en la entrada de los mejores discos de la era Heisei.

Pero, para Oyamada, ya era hora de volver a ser Cornelius. Pero no el mismo de siempre, sino uno más maduro. Y que le dejaran cantar, como dijo en una entrevista contestando el porqué quería sacar un nuevo disco.

Mellow Waves

Portada de Mellow Waves

A pesar de su larga ausencia, escuchamos un sonido muy familiar que sigue la senda marcada por su anterior trabajo. Sin embargo, es cierto que hay una pátina clara de madurez en la música. Hay que recordar que Oyamada nació en 1969, divorciado de Takako Minekawa antes de la grabación de este disco. Es un cincuentón que, a pesar de haber madurado, todavía se siente un niño jugando a lo que mejor sabe: manipulando música.

Y es que desde los primeros segundos de If You’re Here notamos como se ha dejado muy de lado el pastiche sonoro que escuchábamos en sus anteriores discos, en especial en Fantasma, su álbum mas aclamado (Trattoria, 1997) y pasa a un sonido mucho mas sereno y relajante que ya se atisbaba en Sensous. Eso sí, sin dejar de lado su tendencia a juguetear con sus composiciones con su famoso “corta y pega” a modo de collage que le ha hecho famoso procedente del pasado Shibuya-Kei, del que fue uno de los iconos. Sin embargo, poco queda ya de ese sonido en la obra del japonés, sobretodo desde la salida de Point (Warner Music Japan, 2001).

Desde el cambio de ruta marcado dicho disco, distintos elementos sonoros han representado los trabajos solistas de Cornelius: Campanillas de cristal en Sensous y el agua en Point. Según el mismo Oyamada el trémolo es el elemento que marca Mellow Waves en su sonido, por el parecido a una onda continua. De hecho, la genial portada del disco ya lo da a entender.

De las 10 canciones que nutren este trabajo, casi todas se centran en el amor arropado por muchos toques de melancolía. Sin embargo, tambien hay espacio a pistas mas upbeat como In A Dream, que recuerda a trabajos previos que ya he mencionado. Seis de las canciones del disco cuentan con un apoyo visual, gracias a que cuentan con su propio video, como ya es costumbre en el artista.

En el disco, colabora en las pistas 1,3 y 8 componiendo las letras, uno de tantos artistas coetáneos de Oyamada, Shintaro Sakamoto, ex de Yura Yura Teikoku, grupo y posterior solista que tenéis que escuchar ya, siendo el responsable de ese toque blues que impregnan dichas canciones. La otra colaboración es con su propio tío, el artista Tadayoshi Nakabayashi, que ilustra la portada y el estudio de diseño gráfico Help!, recurrentes colaboradores del japonés.

Sé que Mellow Waves no es para todo el mundo, pero siempre hay que dar una oportunidad a cualquier trabajo de Keigo Oyamada.

Ripple Waves

Portada de Ripple Waves

El pasado septiembre salió la continuación de Mellow Waves. No es un disco nuevo, más bien es una recopilación de versiones de algunos de las canciones del disco principal. Lo curioso y reseñable es que las nuevas canciones tienen mucho que ver con el Cornelius de hace unos años: Audio Check Music recuerda a Mic Check (Fantasma) por el uso de “metamúsica”. Con Audio Architechture igual, demuestra las posibilidades que tenemos al modificar a nuestro gusto las herramientas para crear sonidos a modo de lección. Y en Not Bad This Feeling nos recuerda a la época del llorado Shibuya-Kei, en una pista que parece más del estilo de su rival y antiguo compañero en Flipper´s Guitar, Kenji Ozawa.

Aparte de estas nuevas canciones, podemos escuchar una versión en vivo de In a Dream en el programa de Youtube NPR Music’s Tiny Desk Concert. Para terminar nos encontramos ante seis remixes y versiones alternativas, siendo lo mas destacado la reimaginación de The Spell of a Vanishing Loveliness a cargo del grupo Lo-Fi americano Beach Fossils Rework y las remezclas de las leyendas Haruomi Hosono y Ryuichi Sakamoto.

En definitiva, estamos ante uno(s) de los discos más interesantes del panorama nipón, que esperamos no esperar otra década sin otro trabajo en solitario de Keigo Oyamada. Nos lo merecemos mas a menudo.

Sega obtiene 2,65 billones de yenes, según su último informe fiscal

Un pequeño análisis para aclarar mantras.

Pues otro año más en el que las empresas dan a conocer sus resultados fiscales del año. El de Sega, en concreto, era interesante darle una ojeada después de los resultados negativos que arrojaba la prensa “especializada», ya que se decía que iban tener 55 millones de dólares en pérdidas. Pues bien, al final resulta que han habido beneficios.

Y es que, si hay una empresa que parece que muchos quieran verla absorbida por sus corporaciones favoritas, es Sega. Amada y odiada a partes iguales, la compañía japonesa ha dado a conocer sus resultados y nos da las suficientes pistas para saber que se traen entre manos. Después de echarle un vistazo al mencionado informe podemos sacar unas cuantas conclusiones. Para ver los resultados del ejercicio fiscal se pueden consultar aquí.

Como podemos ver en el informe del año pasado de Sega Sammy, se nos explica que la rama de Digital Games es la que desarrolla los juegos para móvil.

No está de más recordar cómo la prensa maquilla los titulares de la noticia. Lo que no deja de ser el enésimo clickbait para ganar visitas y “echar pestes” a Sega (como pasó hace tres meses). Estos días no hay mas que darse una vuelta por fotos y redes y ver este tipo de comentarios: “Que la compre Nintendo” (una compañía con el mismo número de empleados. Inviable), “que Nintendo haga algún Sonic” (¿para que saquen cosas como los últimos Yoshi´s o Kirby? No, gracias). En fin, inexplicablemente parece que vende este tipo de noticias y, en concreto, asociadas a Sega.

Básicamente se han aumentado las ventas en general, respecto al año pasado. Lo curioso es que no han conseguido amortizar dichas ventas por diferentes tipos de gastos y, sobretodo, por el estancamiento de la parte de Sammy (los Pachinkos) y los juegos digitales (la manera que tiene Sega Sammy de referirse a juegos de móvil y/o online, como Phantasy Star Online 2 aunque este está englobado en los éxitos de Sega)

Vale, es cierto que han bajado los beneficios un 70%. Lo que indica esto es donde pone Profit (loss) attributable to owners to parent. El año pasado se ganó 8,9 billones de yenes mientras que el actual “solo” se ha recaudado 2,6 billones de yenes. No son resultados buenos, pero está lejos de quebrar a la empresa. Si Sega aguantó cinco o seis años de billones de pérdidas en la época de Dreamcast, que vaya en beneficios no tienen porqué ser malas noticias.

Rama de Sammy (Pachinko y Resorts)

Si ahondamos cada rama de la corporación vemos como Sammy ha mejorado resultados a pesar de bajar sus ventas. Desconozco el mercado de los pachinkos (si se renuevan mucho o las regulaciones que parece que hay en Japón en este tipo de “tragaperras), pero no veo que vaya mal.  Parece que la idea para el próximo año fiscal es sustituir dichas máquinas para adaptarlas a la nueva regulación y, básicamente, vender más.

En cuanto al otro negocio de Sammy, el de los Resorts de lujo, parece que mejora resultados. De todas formas es un sector de negocio bastante residual y está en ese punto de “meter cabeza” en esta área de negocio mediante inversiones. 

Pero vayamos a lo que nos interesa.

Rama de Sega (Entertainment Contents Business)

Foto de Starshadowx2

A pesar de tener pérdidas en los juegos de móvil (Digital Games) vemos como los juegos de consola (Packaged Games) han conseguido mejores ventas. Sin embargo no se han amortizado, ya que dichas ventas son juegos de catálogo (rebajados y/o antiguos). De hecho se han doblado las ventas de títulos de catálogo, mientras que los juegos que han salido en el anterior año ha menguando sus ventas a la mitad. Aún así Sega ha conseguido vender mas de 23 millones de juegos, 5 más que en el anterior informe. Sega se excusa sobre que se hayan vendido menos juegos nuevos al no haber cumplido con terminar los títulos que se habían propuesto lanzar.

Sobre la otra gran mitad de Sega (la rama arcade) también ha bajado la recaudación, a pesar de vender más. Referente a los juegos arcade, curiosamente indican que el margen de beneficios seguirá bajando a pesar del aumento de ventas, por los gastos de relocalización a la nueva sede del Holding. Indican que seguirán apostando por las sagas que están funcionando bien, de hecho ponen como ejemplo a Star Horse 4 y MaiMai DX de los que ya hablé en la web.

En cuanto a los salones arcade, lo mismo. Más ventas pero menos beneficio. Se esperan abrir 5 nuevos salones y aunque no se esperan beneficios debido a nuevos impuestos del sector.

La rama de juguetes y animación parece que está en plena forma. Sega tienen a TMS Entertaintment (encargados de animes como Lupin III o Detective Conan, del que ahora se estrena una película) por lo que parece que todavía son un éxito en Japón. Se han obtenido más beneficios que el anterior ejercicio fiscal y se espera que el siguiente siga igual de bien.

¿Qué tienen planeado para conseguir mayores beneficios?

En SegaSammy tenían en mente conseguir llegar al año 2020 con unos fuertes beneficios que al final no se han acercado. Para maquillar los resultados saben que tienen que centrarse en lo que mejor saben hacer y dejarse de lado segmentos del mercado que no han conseguido los resultados esperados.

En Pachinkos se han mejorado los número, pero a causa de los cambios de regulación, el negocio se ha estancado. La solución que proponen en la compañía es adaptarse a las tendencias del mercado y a dicha regulación. Referente a los Resorts quieren seguir invirtiendo en esta rama, de hecho parece que después de conseguir tener presencia en Corea del Sur, la idea es instalarse también en Las Vegas.

En la rama de Sega el principal problema ha sido no tener “hits” y las cancelaciones y retrasos de algunos de sus títulos en los “Digital Games” (repito, la mayoría son juegos de móvil). También la alta competitividad del mercado en Japón, donde empresas como Konami en Japón o Tencent mundialmente tienen el mercado a su favor. Ya lo dije en varios foros, es una pena que juegos como Revolve8 tengan a tan buenos desarrolladores (Masayoshi Kikuchi, el director de Jet Set Radio o algunos Yakuza y Koji Igarashi, responsable de Castlevania, son los creadores del juego.
Para mas inri resulta que Yasunori Mitsuda, el compositor de Chrono Trigger está en el staff musical)  para un título que acabará siendo nicho. Dan a entender que ya poca cosa pueden hacer, debido a que los juegos más exitosos son los mismos de siempre, por lo que es difícil entrar. Pero no es la única compañía que ha decidido que los juegos para smartphone no es lo suyo, Capcom ya dejó de lanzar títulos para estas plataformas hace un tiempo.

Aún así parece que quieren seguir intentándolo, pero a menor escala. Bajan los títulos a desarrollar y se tienen que centrar en IP consolidadas. Y esto es la buena noticia, han decidido que quieren relocalizar los esfuerzos a las áreas de los juegos para consola.

el informe no dice nada de que van a desarrollar menos juegos para consola, sólo se refieren al mercado móvil (un fallo que he visto en CASI TODAS las webs que he consultado)

Y es que como hemos podido ver, lo que más ha vendido Sega son los juegos tradicionales para consola y PC. De hecho lo indica el informe: “se han excedido los resultados previstos gracias a las ventas de occidente y juegos de catálogo”. Sí, son buenas noticias ya que nos llegarán más juegos de los estudios japoneses de Sega y se traducirán con mayor frecuencia. Occidente no para, los estudios americanos y europeos también han conseguido beneficios, lo que hace que finalmente nos tomen mas en cuenta. Y ojo, el informe no dice nada de que van a desarrollar menos juegos para consola, sólo se refieren al mercado móvil (un fallo que he visto en TODAS las webs que he consultado)

Para ello, parece que van a seguir apostando por exprimir las IP que mejor han funcionado en los últimos años y seguir con la tendencia de revivir viejas franquicias dejando de lado el apostar por nuevas propiedades intelectuales. Algo que me deja un regusto agridulce. Sega posiblemente sea la empresa que más IP tiene, pero eso se debe a el ADN de la compañía. Pero también es una pena que hayan dejado de lado a tantas sagas en el olvido. Parece que quieren seguir los pasos de Nintendo o Capcom, trabajar en las mismas sagas para aumentar ganancias. El mercado manda.

Mega Drive Mini y…

También veo muchas dudas a qué se refieren por lanzamientos multiplataforma, ya que parece que la idea de Sega es apostar por sacar sus juegos en todas las plataformas posibles. Sin embargo, yo entiendo que van a seguir con lo que han hecho hasta ahora: un tipo de juegos para cada una, pero de la misma propiedad intelectual. De hecho, ya lo hemos visto la semana pasada con Persona 5 The Royal (para PS4) y Persona 5 The Scramble (para Switch y PS4).

…Sakura Wars han sido dos de los resultados de la política de Sega de volver a rescatar «fondo de armario» de la compañía.

Por eso me he fijado en que hay una gran cantidad de fans de Nintendo que piden juegos de Sega en Switch y que se enfadan si no los desarrollan, como ha pasado con Persona 5. Ya sabemos como suelen ser los afines a Nintendo, pero lo que vende en la consola híbrida son los propios títulos de la compañía de Kioto. Eso hace que las thirds se piensen mucho el realizar juegos para dicha consola y en concreto Sega, que parece desde la época de GameCube no ha conseguido grandes resultados en consolas de Nintendo. Parece que no sale a cuenta y tampoco hay que olvidar que las relaciones con los desarrolladores nunca han sido muy fructíferas. No hay mas que ver lo que pasó en WiiU.

Anexo:

Bueno, y después de esta «chapa», ¿que nos vamos a encontrar a corto plazo en materia de juegos?

Pues por lo pronto tenemos una lista de lanzamientos confirmados (o que han salido este año y próximamente) muy interesante (datos cogidos de SegaBits, gracias Berto). Se espera que esta lista aumente con el paso de lo que resta del año:

Playstation 4

17 de enero, 2019 – Yakuza 4 Remastered (JP)

14 de marzo, 2019 – Blade Arcus Rebellion ~ from Shining (JP)

24 de marzo, 2019 – Utawarerumono: Mask of Deception Limited Edition – Chinese Sub Version (CH)

24 de abril, 2019 – Phantasy Star Online 2 : Episode 6 (JP)

7 de mayo, 2019 – Puyo Puyo Champions (US, EU)
27 de julio, 2019 – Puyo Puyo eSports – Physical Version (JP)

21 de mayo, 2019 – Team Sonic Racing

30 de mayo 2019 – Destiny Connect – Chinese Subs Ver. (HK, AS)

20 de junio, 2019 – Yakuza 5 Remastered (JP)

25 de junio, 2019 – Judgment 

24 de julio, 2019 – Tokyo 2020 (JP)
TBA 2019 – Tokyo 2020 (US, EU)

TBA – Panzer Dragoon: Remake 
TBA – Panzer Dragoon II Zwei: Remake!

TBA – Cyber Troopers Virtual-On (JP)
TBA – Dennou Senki Virtual On: Oratorio Tangram (JP)
TBA – Dennou Senki Virtual-On Force (JP)

TBA – Project Sakura Wars

TBA 2019 – Space Channel 5 VR: Arakata Dancing Show

NINTENDO SWITCH   
  

10 de enero, 2019 – SEGA Ages : Outrun (US, EU)

21 de febrero, 2019 – SEGA Ages : Alex Kidd in Miracle World (JP)
28 de marzo, 2019 – SEGA Ages : Alex Kidd in Miracle World (US, EU)

27 de febrero, 2019 – Sega Genesis Classic (AS, HK)

14 de marzo, 2019 – Blade Arcus Rebellion ~ from Shining (JP)

28 de marzo, 2019 – SEGA Ages : Gain Ground (US, EU)

28 de marzo, 2019 – Sega Ages: Puyo Puyo (JP)
TBA 2019 – Sega Ages: Puyo Puyo (US, EU)

24 de abril, 2019 – Phantasy Star Online 2 : Episode 6 (JP)

25 de abril, 2019 – SEGA Ages: Virtua Racing (JP, EU, US)

7 de mayo 2019 – Puyo Puyo Champions (US, EU)
27 de julio, 2019 – Puyo Puyo eSports – Physical Version (JP)

21 de mayo, 2019 – Team Sonic Racing

24 de julio, 2019 – Tokyo 2020 (JP)
TBA 2019 – Tokyo 2020 (US, EU)

TBA 2019 – SEGA Ages : Space Harrier

TBA 2018 – Bayonetta 3

TBA – SEGA Ages : Sonic The Hedgehog 2

TBA – SEGA Ages: Thunder Force AC

TBA – Sega Ages: Puzzle & Action Ichidant-R

TBA – Sega Ages: Shinobi

TBA – SEGA Ages: Columns II Online Battle

TBA – Sega Ages: G-Loc Air Battle

TBA – Sega Ages: Fantasy Zone

TBA 2019 – Sega Ages: Herzog Zwei

TBA – Sega Ages: Wonder Boy in Monster Land

TBA – Mario & Sonic at the Tokyo Olympic Games

TBA 2019 – Sega Ages: Puyo Puyo Tsu


XBOX ONE   
  

21 de mayo, 2019 – Team Sonic Racing

TBA – Tokyo 2020

TBA – Panzer Dragoon: Remake
TBA – Panzer Dragoon II Zwei: Remake!

PC   
  

10 de enero, 2019 – Catherine Classic

29 de febrero, 2019 – Yakuza Kiwami

18 de marzo, 2019 – Two Point Hospital: Pebberley Island 

1 de abril, 2019 – Love Thyself – A Horatio

24 de abril, 2019 – Phantasy Star Online 2 : Episode 6 (JP)

9 de mayo, 2019 – Yakuza Kiwami 2

23 de mayo, 2019 –  Total War : Three Kingdoms

21 de mayo, 2019 – Team Sonic Racing

Arcade

7 de febrero, 2019 – O.N.G.E.K.I Plus

21 de febrero, 2019 – Chrono Regalia

14 de marzo, 2019 – WCCF FOOTISTA 2019

11 de abril, 2018 – CHUNITHM AMAZON PLUS

18 de abril, 2019 – Puyo Puyo eSports : Arcade Edition 

24 de abril, 2019 – Sangokushi Taisen Denshonokokyu (JP)

invierno de 2019 – Star Horse 4

TBA – Mario & Sonic at the Tokyo Olympic Games

TBA – TRANSFORMERS Shadows Rising

TBA – ATV Slam

TBA 2019 – Kemono Friends 3

Móviles

17 de enero, 2019 – Revolve8: Episodic Dueling (AS)
22 de enero, 2019 – Re:volvers 8 (JP)
5 de febrero, 2019 – Revolve8: Episodic Dueling (US, EU)

1 de febrero, 2019 – Readyyy! (JP)

1 de abril, 2019 – Wonder Gravity (JP)

TBA 2019 – Kemono Friends 3

TBA – Sonic at the Olympic Games

TBA 2019 – League of Wonderland (JP) 

Otoño de 2019 – Sonic Racing (Apple Arcade)

Juegos licenciados a terceros

1 de marzo, 2019 – Toejam and Earl Back in the Groove (PC, PS4, Nintendo Switch, y XBox One)

27 de enero, 2019 – Wonder Boy Returns (Versión física) para PS4

TBA – Streets of Rage 4

27 de agosto, 2019 – Shenmue 3 for PC and PS4 

Lista de ATLUS – 2019

Playstation 4

14 de febrero 2019 – Catherine: Full Body (JP)
TBA 2019 – Catherine: Full Body (US, EU)

31 de octubre, 2019 – Persona 5 Royal (JP) 
TBA 2020 – Persona 5 Royal (US, EU) 

TBA 2019 – Cryamore     

TBA 2019 – 13 Sentinels: Aegis Rim – Juusan Kihei Boueiken (JP)

TBA – Project Re Fantasy

TBA – Persona 5 Scramble : The Phantom Strikers

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NINTENDO SWITCH

TBA 2019 – Shin Megami Tensei V

TBA – Persona 5 Scramble : The Phantom Strikers

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3DS 

5 de febrero, 2019 – Etrian Odyssey Nexus (US, EU) 

4 de junio de 2019 – Persona Q2: New Cinema Labyrinth (US, EU)

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PlayStation Vita    

14 de febrero, 2019 – Catherine: Full Body (JP)

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PC     

TBA 2019 – Cryamore  

La música japonesa de la era Heisei

30 años, 20 discos

Japón cambia de era. Tras la abdicación del emperador Aki-Hito, el país deja de lado los últimos treinta años y este mismo fin de mes empezará el primer año de la era Reiwa. Las tres décadas de la era que termina supusieron el fin de la burbuja de especulación inmobiliaria de los 80, años de cierta incertidumbre en una época donde se produjo el tristemente famoso atentado terrorista del metro de Tokio, y desastres naturales como los terremotos que sufrió el archipiélago en 1995 y la amenaza nuclear de Fukushima en 2011. 

Políticamente, poco ha cambiado el país nipón, el partido Liberal ha gobernado casi ininterrumpidamente, a excepción de un par de bienios, donde el centro-izquierda apenas pudo hacer nada. Curiosamente, esos gobiernos tuvieron lugar en las épocas del mencionado atentado del metro de Tokio y en el desastre nuclear de Fukushima.

Pero en esta entrada no me voy a poner a hablar de política nipona, sino de música. En un país que es el segundo mercado musical mas importante del planeta y que todavía vende más en formato físico que en digital (85% por 15% aproximadamente) está claro que es un mercado bastante especial. Y no hay mas que rascar muy levemente la superficie para encontrar música y estilos de todo tipo. Por ello me he propuesto comentar brevemente unos cuantos discos cronológicamente de una manera bastante personal. 

Está claro que nombres como Namie Amuro, Tetsuya Komuro, Ayumi Hamasaki, Bz y similares, han copado las listas de ventas en estos últimos treinta años. Pero el caso es que, personalmente, no me incitaba escribir sobre los trabajos que se consideran más «comerciales», así que he decidido sacar a relucir simplemente un pequeño número de discos que me parecen reseñables.

No está de mas decir que, cualquier tipo de género, ha tenido mínimo exponente que se ha alzado con el número uno en ventas. De hecho, de la lista que he confeccionado, casi todos han conseguido meter un trabajo suyo en la cima del Oricon, o por lo menos en el Top 10. Pero como digo, los siguientes discos casi siempre han tenido éxito (o relativo). Para hacer una lista lo mas variada posible, he optado por elegir un disco por artista, aunque más de uno repite en otras formaciones o en solitario. 

Allá voy.

  1. Pizzicato Five – This Year´s Girl (Nippon Columbia. 1991)

Después de cambiar medio grupo, Yasuharu Konishi necesitaba a alguien que ejemplificara en persona la moda y estilo musical de los años 60. Y lo consiguió cuando metió a la banda a Maki Nomiya. A partir de ahí, Pizzicato Five se convirtió en el principal representante, no solo del Shibuya- Kei, sino de la música japonesa en occidente. Lounge pop pegadizo, abuso del sampleado, toques de bossa nova y bastante del ye-ye europeo que, junto a la agradable voz de Nomiya, marcan un antes y un después.

2. Flipper’s Guitar – Doctor Head’s World Tower (Polystar, 1991)

Otro de los grupos que marcaron el comienzo de la década en la música nipona es este dúo de prolíficos compositores. Keigo Oyamada (que veremos más de una vez en la lista) junto a Kenji Ozawa (que apunto he estado de incluir a su disco más exitoso: Life), lanzaron su ultimo álbum juntos después de tres discos que, junto a Pizzicato Five,  son el prólogo del sonido que nos brindaron los japoneses en los 90. Proto Shibuya Kei mezclado con el sonido “Madchester» de los 80, algo de Brian Wilson y la utilización de samples característicos de este estilo hacen que esta despedida rupturista del grupo (los dos anteriores discos del grupo eran algo más “poppie”) curiosamente sea el punto de partida de muchos grupos de la época.

3. Blankey Jet City – BANG! (Toshiba-EMI, 1992)

Producido por Masami Tsuchiya, el grupo favorito de las bandas de moteros japoneses seguía evangelizando con rockabilly a las capas más problemáticas de Japón. Después de ganar un concurso de bandas amateur en televisión, consiguieron un contrato con la entonces poderosa discográfica Toshiba-EMI. Bang! es la confirmación como grupo consagrado en el rock japonés después de haber contribuido en los desfiles del modisto Yohji Yamamoto con su música y haber representado otra imagen de la sociedad japonesa que no suele salir a la superficie.

4. YMO – Technodon Live (Toshiba-EMI, 1993)

Diez años después del hiato del trio mas importante de la música japonesa, Yellow Magic Orchestra volvieron a sacar disco y llenaron el Tokyo Dome un par de veces para presentar sus nuevas canciones. No hace falta decir que los numerosos fans de YMO se descolocaron al escuchar las nuevas canciones de Technodon, y una prueba de ello es este disco en directo que recoge las dos noches de la mini-gira que tuvo lugar en aquel 1993. He preferido poner el disco en directo, ya que los arreglos mejoran las canciones del disco que lanzaron ese año, además de actualizar alguno de sus clásicos con un cierto toque ácido de la época. 

5. L’Arc~en~Ciel – Tierra (Sony, 1994)

Uno de los grupos más famosos del archipiélago nipón. La mayoría de gente que alguna vez ha escuchado música japonesa, el 99% dirá que conoce Laruku, como es conocido entre sus fans. Tierra es el primer disco que sacaron con Sony y, posiblemente, es el que mejor ha envejecido y mejor equilibrado está. Curiosamente, el punto más bajo del disco es una de sus canciones más famosas (Blurry Eyes) pero sin embargo encontramos joyas como White Feathers, ritmos Bossa Nova en Nemuri ni Yosete que hace que el disco más melancólico de los de Osaka sea el más bonito de los numerosos discos que han sacado.

6. Ryuichi Sakamoto – 1996 (Güt – For Life Records, 1996)

Después de conseguir prácticamente todo (Oscar a mejor banda sonora con “El Último Emperador” o componer el himno de la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Barcelona con “El Mar Mediterrani”, entre muchos otros) y abrazar a mediados de los 90 la música Club neoyorkina, Sakamoto decidió que ya era hora de volver a lo “académico”. 1996 es una nueva reimaginación de varios éxitos del compositor con él al piano, acompañado de un cuarteto de cuerda que le da un toque onírico muy acertado en conjunto.

7. Cornelius – Fantasma (Trattoria – Polystar, 1997)

¿De qué no se ha hablado de la obra magna de Keigo Oyamada? Todavía es un disco de transición si lo comparamos con su discografía posterior, pero marca ya un rumbo que difiere bastante de todo lo que había hecho anteriormente. Meta-música en Mic Check, toques de sus queridos Beach Boys en Thank you for the music, riffs distorsionados en New Music Machine o incluso una versión electrónica de una composición de Bach en la pista llamada 2010. Fantasma nos propone un viaje que disfrutaremos indudablemente y que nunca olvidaremos.

8. Malize Mizer – Merveilles (Maitrize, 1998)

A pesar de que la percepción de un occidental pueda que crea lo contrario, el Visual-Kei o estilos como el Gothic Lolita siempre han sido muy minoritarios en Japón (según fuentes fidedignas, en Tokyo es bastante difícil llegar a ver a alguien vestido con dicho estilo). Malize Mizer, posiblemente, sea el culmen del Visual-Kei en el ámbito de la música. Música “versallesca» a lo Michiru Yamane, toques afrancesados festivos con un toque de dobles guitarras y mucha melancolía romántica que, junto a la forzada voz grave de Gackt, hacen que, a pesar de todo, este sea el disco más recordado y accesible de este singular estilo.

9. Chara – Madrigal (Epic – Sony, 2001)

Bien conocida entre el entorno del cine japonés, esta mujer es una de las cantantes más curiosas de la música japonesa de los últimos 25 años. Detrás de su apariencia y su extraña voz de “bebé”, tenemos a una de las cantantes representativas del Jpop de los 90. Ya casada desde hacía un lustro con el actor Tadanobu Asano (Ichi the Killer) y con dos hijos, Madrigal salió a la venta en un momento en el que sus ventas decayeron. Sin embargo, consiguió llamar la atención de James Iha (Smashing Pumpkins) para colaborar en un disco que seguía con el camino introspectivo que había tomado la cantante y compositora en aquella época.

10. Shiina Ringo – Karuki, Zamen, Kuri no Hana (Toshiba – EMI, 2003)

Tiza, Semen y Flor de Castaño. Detrás de este nombre extraño (tres cosas que huelen igual, según Shiina Ringo), nos encontramos con el mejor disco de los últimos 30 años de la música japonesa. Después de encontrar ya el éxito en su opera prima: Muzai Moratorium (una especie de reimaginación de Ziggy Stardust and The Spiders from Mars) y confirmarse con el aún mejor Shouso Strip, Ringo se casó con su guitarrista, tuvo un hijo e intentó hacer vida de casada no sin antes “despedirse» con un single con toques de Jazz que sería un prólogo de lo que ha acabado haciendo la de Saitama en el resto de su carrera. Sin embargo, se divorció a los pocos meses, sacó un disco doble de covers (con una versión de The Carpenters a duo con Hikaru Utada) y se enfrascó en lo que sería su nuevo disco después de 3 años (una eternidad en Japón). Se deja de lado el rock y predominan sonidos jazz con un toque japonés de la época de entreguerras.

Aún así, no es el disco más exitoso de la artista de Saitama (Shouso Strip vendió más de dos millones de copias, mientras que KZK apenas llegó al medio millón).

11. Kahimi Karie – Trapeziste (Victor, 2003)

Una de las musas del Shibuya-Kei (y del protagonista de Detroit Metal City) de mediados de los 90, consiguió su particular culmen en el ya tardío 2003 con su disco más trabajado y, a su vez, más extraño. Un singular pastiche de Jazz, Bizet, collages, spoken word y pop sofisticado electrónico, aderezado con la voz que nos propone Karie en la que nos recuerda a cómo sonaría Jane Birkin si fuera japonesa. Destacar al trompetista Naruyoshi Kikuchi y mencionar que Thomas Dutronc participa como guitarrista en el álbum (sí, el hijo de Jacques Dutronc y Françoise Hardy).

12. Sketch Show – Loophole (Avex – Cutting Edge, 2003)

Dos tercios de Yellow Magic Orchestra empezaron a volver a colaborar a finales de los 90 en sus respectivos proyectos. Después de ello, se propusieron a sacar un trabajo en común y de ahí surgió Sketch Show, trabajo que llamó poderosamente la atención de Ryuichi Sakamoto que accedió a volver a tocar con ellos y aportar al grupo. Por lo que sí, este grupo es básicamente otra denominación de unos Yellow Magic Orchestra de incógnito con los integrantes originales e incluyendo a su alumno más aventajado, Cornelius, que ya había dejado de lado el Shibuya Kei en aquella época con su disco Point. El sonido de Loophole es sereno, dejando de lado el electropop más comercial de la que hacían gala en el ya lejano 1983, utilizando la electrónica para conseguir un toque muy intimista y, a su vez, mostrar a los más jóvenes que todavía siguen siendo la referencia de la música japonesa en el mundo.

13. Tokyo Jihen – Variety (EMI, 2007)

Quien sea un entendido de la escena musical japonesa, y en concreto de Shiina Ringo, sabe que incluir a este trabajo en esta lista es una decisión bastante polémica. El tercer disco del grupo que formó la artista de Saitama, significó la delegación de la composición la mayoría de las canciones a los componentes del grupo al haber sido llamada por el director de orquesta Saito Neko para colaborar en la banda sonora de la película japonesa Sakuran (que curiosamente dicho album de la banda sonora se llama Heisei Fuuzoku, traducido como costumbres Heisei). Sin embargo, gracias a eso, Variety (nombre que no está escogido al azar) es el disco que significa el equilibrio de la banda y se deja de lado, aunque sea momentáneamente, la mano de Ringo. Mención especial a Seiji Kameda, que está espectacular con sus riffs de bajo.

14. Hikaru Utada – Heart Station (EMI, 2008)

La artista que ostenta el récord de disco más vendido en Japón. Antes de intentar por segunda (y última vez) hacerse un hueco en el Billboard americano, se “despidió” de Japón por un tiempo sacando su álbum más animado. Deja un poco de lado las baladas «pastelosas» de sus anteriores discos (no del todo, porque el single más vendido del disco, Flavor of Live es una balada) y abraza otra vez el R&B que la hizo famosa. Pero sobretodo se arrima más al electropop que combina excepcionalmente bien, como en la época de su single Travelling.

15. Perfume – Triangle (Tokuma Japan, 2009)

Este trio de electropop producido por Yasutaka Nakata (Capsule, Kyary Pamyu-Pamyu) se consagró con este disco al conseguir llegar al número uno en las listas de ventas japonesas con su anterior disco, llamado Game. Pero lo importante es que rompieron con el récord que ostentaba Yellow Magic Orchestra, al ser el último grupo de dicho género que conseguía encabezar las listas de ventas. Aun así, he preferido poner a su sucesor: Triangle. Dicho disco representa el viraje hacia el dance electrónico de los que antes representaban el Shibuya Kei. Pop resultón y (algo menos) tontorrón, que empezó a llamar la atención de occidente.

16. Kimonos – Kimonos (EMI, 2010)

Mukai Shutoku (Zazen Boys, Number Girl) y Leo Imai (Metafive) se juntaron en un disco que es basicamente un homenaje a la música underground de finales de los 70 y 80. Un poco de Electropop por aquí, algo de New Wave por allá, un par de covers referentes de la época aderezados con un toque oriental y ya tenemos uno de los mejores discos japoneses de los últimos diez años.

17. Salyu x Salyu – S(o)un(d)beams (Toy´s Factory, 2011)

Quien haya visto All about Lily Chou-Chou (Shunji Iwai, 2001), sabe que su banda sonora es especial. La cantante de voz etérea que enloquece a los fans de la película existe, y es esta menuda chica. Desde que se estrenó la película, Salyu empezó su carrera musical siguiendo, más o menos, con el sonido que dictaba la industria. Pero esta cantante de Kanagawa sabe que donde más destaca es en su voz, por lo que decidió contactar con Keigo Oyamada para hacer un proyecto que daría lugar a este disco. La idea era que los coros y el ritmo vocal estuviesen sacados de la misma Salyu, de ahí que se optara por nombrar al “grupo” de la manera que hacen en Japón cuando hay una colaboración. En definitiva, un disco con el típico sonido Cornelius que combina perfectamente con los diferentes rangos vocales de Salyu.

18. Towa Tei – Lucky (Warner Music, 2013)

Otra sorpresa en la lista. Normalmente se suele considerar a Future Listening! como mejor album de este ex-integrante de Dee-Lite. Pero esta etapa madura del DJ con las gafas de sol permanentes es el que me parece más redondo de su carrera, empezando con la portada de la excéntrica artista Yayoi Kusama. Yukihiro Takahashi, Shiina Ringo, Haruomi Hosono o Ryuichi Sakamoto, entre otros, colaboran en un disco algo mas relajado de lo que nos tiene acostumbrados y mucho mas easy-listening de una de las cabezas representativas del Shibuya Kei.

19. SUIYÔBI NO CAMPANELLA – Jugem´ Je T´aime (Specific, 2015)

Vale, este mini-album recopilatorio del “trío” sensación en el ámbito independiente japonés del último lustro no ha salido en Japón. Pero me parece muy recomendable por cómo recopila su época indie con seis de las canciones más representativas de este singular grupo. Mucha electrónica con cierto hip-hop y múltiples menciones a la cultura popular. Jugem´ Je T´aime es un buen punto de partida para dejarnos atrapar por la cantante KOM_I, el músico Kenmochi Hidefumi y el director que se encarga de sus videoclips, Dir.F y decidir escuchar el resto de su discografía. Por cierto, vienen a España para el Primavera Sound de este año.

20. Metafive – Meta (Warner Music, 2016)

Este “supergrupo” (aparte de Yukihiro Yakahashi, está compuesto por Towa Tei, Leo Imai, Keigo Oyamada, Yoshinori Sunahara y Tomohiko Gondo) básicamente se formó como la banda que apoyó la gira de Takahashi en 2014. La colaboración no tenía que terminar ahí, por lo que se decidió empezar a grabar en el estudio. Lo curioso es que los mencionados componentes de la banda no dejan de ser fans de Takahashi (y, por ende, de Yellow Magic Orchestra), por lo que esa llamada generación YMO, en un ejercicio de homenaje, fabricaron un disco que demuestra como han aprendido la lección. Gracias a eso, el disco suena a pasado y pero apela al futuro donde la mitad de las doce canciones de las que se compone el álbum podrían pasar por singles perfectamente y donde se nota que cada uno ha encajado su estilo.

Y eso es todo. La verdad es que me ha salido una lista no tan variada como pretendía, pero es a causa de los gustos que tengo desde hace unos años. Fuera se han quedado disco de grupos como The Pillows, Kenji Ozawa, Denki Groove, Quruli, Zazen Boys, Rip Slyme, Yuki, Hyde, Takeshi Kobayashi, X Japan o The Yellow Monkey. Pero lo dicho, me costaba escribir sobre ellos al igual que tampoco me parecía buena idea incluirlos en las lista.

La pequeña guerra civil de la música de los 60 en Japón

Esta semana ha muerto uno de los Enfant Terrible de la farándula japonesa, Yuya Uchida, a los 79 años después de pasar la última década entre enfermedades y mermándose su salud a pasos agigantados. Políticamente incorrecto para los estrictos estándares japoneses, era más conocido por su peculiar personalidad, sus portadas cuando era músico (fue uno de los teloneros de los Beatles en su concierto del Budokan) y por actuar en películas como Feliz Navidad Mr. Lawrence (1983) de Nagisa Oshima o Black Rain (1989) de Ridley Scott. Pero tambien recordado en la sociedad japonesa por plantear un debate que, de haber ganado su postura, la música japonesa habría resultado muy diferente a lo que sido a lo largo del tiempo.

También se presentó como candidato a la alcaldía de Tokio quedando el quinto más votado de los 16 que se presentaban. El video no tiene desperdicio: cantando una cancion de Elvis, contando su vida en “engrish” y repitiendo el mismo verso una y otra vez, de unos de sus mayores éxitos (la canción “No more comics”, que se convirtió en una película aclamada por la crítica a mediados de los 80).

Fan del Elvis de la época, Yuya Uchida se queda “ojiplático” cuando en 1964 escucha a los Beatles en casa de un amigo. Según su autobiografía, el cantante se dio cuenta, después de escuchar una sola canción de los Fab Four, que todo el rock’n’roll se había vuelto obsoleto por los cuatro de Liverpool. A principios de 1966, la llegada de los Beatles a Japón inspiró a Uchida para escribir el single Welcome Beatles con la banda que tenía en el época, los Blue Jeans, con la esperanza conseguir éxito en las listas niponas.

La actuación de Welcome Beatles minutos antes de salir los de Liverpool al escenario del Budokan.

Gracias a eso, por lo menos, consiguió telonear al grupo británico con la mencionada canción de bienvenida (hay que recordar que los conciertos de los 60 eran como mini-festivales en los que había cuatro o cinco teloneros e incluso monólogos de humoristas). Con la beatlemania invadiendo a los jóvenes japoneses, Uchida descubrió en la época a un grupo de Kyoto que le permitiría conseguir aquel sonido tan característico: The Funnies. Uchida se había interesado por dicho grupo para que fueran su banda de apoyo, ya que a su cantante le iban a despedir. Sin embargo, cuando el cantante, Kenji ‘Julie’ Sawada (el único japonés, aparte de Yoko Ono, que ha sido portada de la revista Rolling Stone), se negó a ser expulsado, fue Uchida quien tuvo que irse del grupo sin apenas haber formado parte. Mientras que los Funnies consiguieron la ansiada fama como The Tigers, a Uchida se le resistía.

Portada de el número de la Rolling Stone en la que Kenji Sawada aparecía en portada.

“Estresado, agonizante y lleno de disgusto, fui a Europa” dice Uchida en su auto-biografía. A lo largo de 1967, vivió “como un hippie”, primero en Londres y luego en París pasando por Madrid, asistiendo a shows de Jimi Hendrix, The Who o Led Zeppelin, cuyo sonido le convenció de que era el único camino para que el rock japonés avanzara. Determinado a replicar su filosofía en su país natal, Uchida dejó París a principios de 1968 y se dirigió a su hogar, para crear un grupo llamado a expandir la psicodelia occidental: Yuya Uchida and the Flowers.

Primer disco de The Flowers.

A finales de la década de los 60 su postura se enfrentó con las del grupo que, a la postre, ha sido el mas influyente de la música japonesa: Happy End. La postura de Yuya versaba en que las letras de la música rock japonesa tenían que ser en inglés para llamar la atención a occidente. Sin embargo, en Happy End preferían cantar en japonés para insertar un toque propio y dar su propia visión del rock desde dicho país y no aceptar del todo la invasión cultural occidental que reinaba en aquellos años.

Portada de Kazemachi Roman de Happy End. Todos los componentes del grupo han influenciado en el devenir de la música japonesa.

Ni que decir que estos últimos ganaron la batalla. Miembros de Happy End como Haruomi Hosono han producido y/o formado parte justamente a grupos que han calado en critica en Occidente: Yellow Magic Orchestra Pizzicato Five. Eiichi Ohtaki marcó las pautas del City Pop tan famoso en la actualidad con su disco Long Vacation, vendiendo mas de un millón de copias en el año 81. Takashi Matsumoto ha escrito más de 2000 canciones para otros artistas y Shigeru Suzuki, aparte de hacer carrera en solitario y con otros grupos, ha contribuido en casi 600 canciones como músico de estudio.

Haruomi Hosono, después de la época de Yellow Magic Orchestra, comenzó a descubrir (y producir) grupos como Pizzicato Five.

Lo curioso es que las bandas que han seguido las pautas de Yuya Uchida nunca han conseguido llamar la atención de occidente. Literalmente, la crítica anglosajona nunca ha recibido con buenos ojos a los artistas foráneos que cantan en ingles debido a que ellos entienden que lo autóctono no se puede mejorar desde fuera (“nosotros ya somos buenos en lo nuestro, queremos ver en qué sois buenos vosotros”). No hace falta buscar ejemplos en el lejano oriente, por ejemplo, el Krautrock no vendería apenas en Alemania, pero la crítica extranjera siempre se ha mostrado muy receptiva a esta corriente. Y lo mismo pasa con Kraftwerk.

Yuya Uchida y Kirin Kiki. Otros tiempos.

En España pasa algo parecido, parece que Rosalía (gracias a revistas y webs de gran difusión, como Pitchfork) ha llamado mucho la atención fuera de España mientras que a Bunbury se le ha hecho caso omiso. En Francia, si dices que te gusta algo del estilo Benjamin Biolay o Serge Gainsbourg, te tachan de “pollavieja” mientras estos son los que se conocen internacionalmente. Sin embargo, cuando se murió Johnny Hallyday, en el país galo fue día de luto nacional, mientras que su música no ha transcendido mucho fuera de allí.

Cartel de la candidatura a la alcaldía de Tokio de 1991.

Lo curioso es que Yuya Uchida llamó tanto la atención al músico e historiador británico Julian Cope, que le dedicó un capítulo en su libro Japrocksampler. En dicho libro, inconscientemente, se pregunta que hubiese pasado si Happy End no hubiese ganado dicha guerra. Se podría decir que Yuya fue el líder espiritual de aquella rama del rock japonés que no pretendía más que crear covers de sus músicos favoritos, y de dar paso a una mayor inserción de la cultura americana en el archipiélago nipón. Sin embargo, lo que finalmente pasó es que la música japonesa contemporánea fue hacia una dirección diferente, añadiendo un toque de experimentación y por supuesto, en japonés.

Una de las últimas apariciones de Uchida, en un anuncio de marzo de 2018.


Kazemachi Roman se ha considerado como el disco mas influyente de la música japonesa en casi todas las listas de mejores discos de la historia de aquel país, junto con los grupos y cantantes que surgieron a partir de Happy End. Pero la visión de Yuya Uchida quedó relegado al ostracismo, quedándose en agua de borrajas. Aquel “loco” de pelo cano a lo Rafael Alberti, será recordado, aparte de haberse presentado como alcalde de Tokio, por haber sido esposo de la recientemente fallecida Kirin Kiki (aunque llevaran 40 años separados), sus problemas con la justicia (fue acusado por tenencia de marihuana y por acosar a una mujer hace un lustro) y por su intermitente y mediocre discografía que nunca caló en Japón…ni en occidente.